Вопрос 2. Творчество Рафаэля.

(род.1483–ум.1520)

Его искусство предельно гармонично, дышит внутренним миром, душевной чистотой, умиротворением.

Сюжеты произведений Рафаэль разнообразны, но на протяжении всей жизни художника особенно привлекал образ Богоматери, его именовали "мастером мадонн". За свою недолгую жизнь Рафаэль создал много станковых картин, всемирно прославленные фрески, превосходные портреты.

Время отрочества Рафаэля совпало с началом эпохи Возрождения. В отличие от Леонардо Рафаэль полностью принадлежал своему времени. В его произведениях нет ничего странного, таинственного и загадочного. В них все ясно и прозрачно, все прекрасно и совершенно. Он с наибольшей силой воплотил положительный идеал прекрасного человека. В его творчестве царит жизнеутверждающее начало.

Рафаэль родился в Урбино в апреле 1483 в семье живописца Джованни Санти. Джованни Санти был придворным художником и возглавлял самую известную в Урбино художественную мастерскую. Здесь Рафаэль приобрел первые навыки ремесла. На стиль работ оказал заметное влияние Перуджино. Сохранились фрагменты большого алтарного образа, написанного Рафаэлем ок. 1500 для этого города. В контракте Рафаэль назван мастером. Около 1503 Рафаэль написал большой алтарный образ – Коронование Марии. К этому времени он уже работал в мастерской Перуджино. Этот ранний период творчества Рафаэля завершает картина Обручение Марии (1504).

В 1504 Рафаэль впервые приехал во Флоренцию, где одновременно с Рафаэлем работали Микеланджело и Леонардо да Винчи. Из произведений Микеланджело Рафаэль воспринял новую скульптурную трактовку форм человеческого тела, а из работ Леонардо – монументальность композиции и интерес к техническим экспериментам. За четыре года, проведенные во Флоренции, художник создал огромное количество картин.

В течение флорентийского периода творчества колорит в произведениях Рафаэля становится более сдержанным и приобретает большее тональное единство, в сравнении с яркими интенсивными цветами его ранних работ, выполненных под влиянием Перуджино.

С ростом его славы количество получаемых заказов стало настолько огромным, что превосходило реальные возможности мастера, и он был вынужден перепоручать работу над некоторыми из них своим помощникам. (Фрески)

Вклад Рафаэля в портретную живопись эпохи Возрождения может сравниться только с наследием Тициана. Портреты Рафаэля прошли ту же эволюцию, что и его религиозная живопись. Одними из лучших работ в этом жанре, относящихся к раннему периоду творчества, являются парные портреты супругов Анджело и Маддалены Дони (ок. 1507). По приезде Рафаэля в Рим портрет занимает более важное место в его творчестве. При создании Портрета папы Юлия II Рафаэль использовал новый формат: папа показан в необычном для портретирования эмоциональном состоянии – во время депрессии и болезни. К этому периоду творчества Рафаэля относятся также портреты Алессандро Фарнезе (1514) и Портрет папы Льва X с кардиналами Джулио Медичи и Луиджи Росси (ок. 1518). Портретом друга Рафаэля, литератора Бальдассаре Кастильоне (ок. 1514), восхищались Рембрандт и Рубенс. В поздних работах (Портрет Иоанны Арагонской и Ла Форнарина) появляется декоративная усложненность и некоторая холодность, характерные для маньеристических портретов.

Обычно первым шагом Рафаэля в архитектуре считают создание образа идеального храма в картине Обручение Марии (1504).Такие римские постройки Рафаэля, как церковь Сант Элиджо дельи Орефичи (1509) и капелла Киджи в церкви Санта Мария дель Пополо (1512–1520), по стилю близки произведениям Браманте. Созданное им Палаццо дель Аквила (не сохранилось) было выполнено в более декоративном стиле, чем строгие классические постройки Браманте: фасад обильно украшен стуковым декором, что привело, с одной стороны, к усложнению общей композиции, а с другой – к утрате ясности структуры здания. Вилла Мадама, начатая Рафаэлем незадолго до смерти и так и не законченная, по сложности плана может сравниться только с античными сооружениями. Использованные здесь декоративные мотивы (декорация выполнена Джованни да Удине после 1520, вероятно, по рисункам Рафаэля) являются подражаниями античным гротескам и сделаны из позолоченного и раскрашенного стука в технике низкого рельефа. В живописи и архитектуре произведения Рафаэля последних лет его жизни послужили отправной точкой для мастеров следующего этапа развития итальянского искусства – маньеризма.

Вопорс 3. Феофан Грек - "Макарий Египетский"

Феофан Грек – выдающийся средневековый живописец, родом из Византии, более тридцати лет работавший на Руси, где имел мастерскую, учеников и последователей.

Его энергичную, стремительную манеру письма не спутаешь ни с какой другой. Во фресковых росписях Феофана Грека есть и великолепное мастерство колорита, и суровый, порой даже грозный аскетизм. Бросая коричневые краски на лица и темно-синие на одежду, он наносил поверх основных то­нов несколько более светлых слоев. При прорисовке лиц он делал резкие «пробелы», «перистые» линии, вблизи кажущиеся грубыми, рваными и хаотичными. Но издали они воспринимаются как слитные и удивительно гармоничные. В его манере письма решающее значение приобретает светотень, с помощью которой он добивается объемности изображения. А главное, что отличает художественный стиль Феофана Грека, - это проникновенное понимание души человека, его высоких внутренних порывов и стремлений.

Герои произведений Феофана Грека - седобородые монахи-старцы (столпники), отшельники, добро­вольно принявшие обет отречения.

Выдающееся произведение Феофана Грека - фрески церкви Спаса на Ильиной улице в Новгороде (1378), сохранившиеся лишь частично. Манера Феофана Грека индивидуальна, но его внутренние творческие искания совпали с характерными для новгородской школы мотивами. В колорите он использовал принципы контраста, хотя не прибегал к яркой, пестрой расцветке. Чтобы добиться резкого эффекта, ему достаточно было на коричневое пятно лица или одежды как бы обрушить удары коротких белильных мазков. Стремительное движение кисти превращало их буквально в зигзаги молний, озарявших мглу. В мировом искусстве Средневековья немного художественных образов, способных сравниться, например, с созданным Феофаном Греком образом одного из первых отшельников в истории христианства - Макария Египетского.

Согласно легенде, Макарий, потрясенный мерзостью, царившей в жизни, удалился в пустыню. Считая все то недостойное, что ему пришлось увидеть, якобы связанным с плотским началом в человеке, он решил «встать над плотью». Отшельник изнурял свое тело постами и религиозными бдениями.

В изображении Феофана Грека он кажется почти бесплотным. Темный «лик» святого бороздят резкие белильные штрихи, выявляющие скулы, надбровные дуги, поднятые в молитвенном жесте кисти иссохших рук.

Билет 23.

1.Искусство возрождения в Нидерландах

Своеобразным очагом искусства Возрождения 15—16 веков были Нидерланды — одна из самых богатых и передовых стран Европы, успешно соперничавшая в торговле и промышленности с городами Италии и постепенно вытеснявшая их с мирового рынка. Однако процесс формирования ренессансной культуры протекал в Нидерландах медленнее, чем в Италии, и сопровождался компромиссами между старым и новым.

Начало самостоятельного развития искусства относится к концу 14 столетия, когда нидерландские провинции были насильственно собраны воедино под властью бургундских герцогов (1363—1477) в независимое «промежуточное» государство, расположенное между Францией и Германией; оно включало Фландрию, Голландию и многочисленные провинции между Маасом и Шельдой.

Главными центрами нового искусства и культуры стали богатые города южных провинций Фландрии и Брабанта (Брюгге, Гент, Брюссель, Турнэ, позже Антверпен). Городская бюргерская культура с ее культом трезвого практицизма развивалась здесь рядом с пышной культурой княжеского двора, выросшей на французско-бургундской почве. Поэтому неудивительно, что главенствующее место среди североевропейских художественных школ 15 столетия заняла нидерландская живопись: художники Ян ван Эйк, Робер Кампен, Рогир ван дер Вейден, Иос ван Гент, Дирк Баутс, Альберт Оуватер, Хуго ван дер Гус, Петрус Кристус, Ханс Мемлинг, Жак Дарэ, Гертген тот Синт-Янс и другие живописцы.

Нидерландское искусство приобрело более демократический характер, чем итальянское. В нем сильны черты фольклора, фантастики, гротеска, острой сатиры, но главная его особенность — глубокое чувство национального своеобразия жизни, народных форм культуры, быта, нравов, типов, а также отображение социальных контрастов в жизни различных слоев общества.

Другая особенность нидерландской художественной культуры эпохи Возрождения — устойчивость средневековых традиций, определившая во многом характер нидерландского реализма 15—16 веков. Все новое, открывавшееся людям в течение длительного периода времени, применялось к старой средневековой системе взглядов.

Успехи, достигнутые нидерландским искусством в этом направлении, подготовили достижения реализма 17 века. В отличие от итальянского нидерландское искусство Возрождения не пришло к утверждению безграничного господства образа совершенного человека-титана.

Для нидерландского искусства характерны новое, реалистическое видение мира, утверждение художественной ценности действительности такой, как она есть, выражение органической связи человека и окружающей его среды, постижение тех возможностей, которыми наделяют человека природа и жизнь. В изображении человека художников интересует характерное и особенное, сфера обыденной и духовной жизни; восторженно запечатлевают нидерландские живописцы 15 века многообразие индивидуальностей людей, неисчерпаемое красочное богатство природы, ее материальное разнообразие, тонко чувствуют поэзию повседневного, незаметных, но близких человеку вещей, уютность обжитых интерьеров. Эти особенности восприятия мира проявились в нидерландской живописи и графике 15 и 16 веков в бытовом жанре, портрете, интерьере, пейзаже. В них обнаружились типичная для нидерландцев любовь к деталям, конкретности их изображения, повествовательность, тонкость в передаче настроений.

Архитектура и скульптура вплоть до 16 века развивались в рамках готического стиля. Перелом, совершившийся в искусстве первой трети 15 столетия, наиболее полно сказался в живописи.

2. Творчество Тициана.

Тициан Вечеллио да Кадоре — один из величайших художников всех времен и народов, являющийся — наряду с Леонардо, Рафаэлем и Микеланджело — одним из четырех титанов итальянского Возрождения. "Королем живописцев и живописцем королей" называли Тициана еще при жизни. Открытия Тициана в области живописи — цветовая лепка формы, нюансировка краски, изумительное богатство колорита — оказали огромное воздействие на мастеров последующего времени. Трудно назвать другого, кроме Тициана, художника, который оказал бы столь сильное влияние на других творцов.

Среди почитателей таланта Тициана имена крупнейших живописцев разных эпох и стран — это и Рубенс, и Ван-Дейк, и Рембрандт, и Веласкес, и Дали, французские импрессионисты, многие русские художники XIX века. Его работы копировались тысячи и тысячи раз, но никому не удавалось повторить того внеземного сияния, что исходит от красок с полотен Тициана.

Помимо колористических завоеваний, не менее важным оказался опыт Тициана в развитии мифологического жанра, пейзажа и портрета. Тициан был крупнейшим портретистом своего времени, а его портреты на многие века стали эталоном для подражаний и восхищений. Считалось, что быть запечатленным кистью Тициана — значило обрести бессмертие. Так оно и случилось. Дела многих его современников канули в вечность вместе с их смертью, но лица и имена продолжают жить в веках благодаря кисти Тициана. Вокруг тициановских женщин ощущали горячую страсть и атмосферу. Для полного оживления людям на его портретах не хватало только дыхания. Им создано более сотни портретов: прекрасные женщины, гордые и пытливые мужчины, дожи, инквизиторы, герцоги, императоры, короли. Их, королей, было много - а Тициан был один. В образах, созданных мастером, сочетаются хрупкая интимность, бравурная торжественность, тонкая поэзия и обыденная реальность, трагизм и идеальность в характеристике изображаемых персонажей.

Тициан прожил почти сто лет, но и в последние дни своей долгой жизни он сохранял ясность ума, остроту зрения, не выпускал кисти и палитру из рук. В день смерти он завершил свой последний творческий замысел — картину «Пьета» («Оплакивание Христа»). Даже не кистью — легким прикосновением пальцев нанес несколько завершающих мазков и юношески твердой рукой подписал: «Тициан сделал». Эту — одну из лучших своих картин — он завещал поместить в часовне, над своим надгробием.

3. Дионисий "Распятие"

Мне очень понравилась эта статья :)

Дионисий – художник, работавший на рубеже XV и XVI столетий.Ему принадлежат росписи, сплошь покрывавшие стены церкви Ферапонтова монастыря в Белозерском крае. Ферапонтов монастырь и сейчас остаётся одним из лучших заповедников древнерусского искусства, местом паломничества художников-монументалистов, которых притягивает артистическое мастерство Дионисия. Его композиции небывало разнообразны, краски светлы и нежны, удлинённые фигуры с маленькими головами полны грации. Господствующее настроение его живописи – кротко-радостное. К его работам хорошо подходит евангельское изречение: "Иго моё – благо, и бремя моё легко".

В этом свете становится понятна мысль иконы Дионисия "Распятие". Сам сюжет предполагает драматизм – даже самый грубый, безвкусный и лежащий на поверхности будет здесь, как бы, уместен. Что же у Дионисия? Господствует жизнерадостный тон, несмотря даже на лёгкий оттенок печали. Христос не висит, а стоит на кресте (на нижней перекладине), грациозно изогнувшись, ничто не говорит о его страданиях. Нет ни крови, ни судорог. Набедренная повязка бела и чиста, как будто только что повязана. Ступни ног не скрючены, как на большинстве распятий. Ангелы вьются кругом, как бабочки. Ласкающая глаз, светлая и богатая гамма цветов начинает и довершает ощущение радости: Христос умрёт, но воскреснет. Это грустный рассказ, у которого заранее известен хороший конец, и потому мы исполнены бодрости.

Билет №24

Вопрос. 1. Искусство ворождения в Германии и во Франции.

В культуре Возрождения в Германии исключительно важная роль принадлежала искусству. Конец XV — начало XVI в. стали периодом недолговременного, но блистательного расцвета немецкой ренессансной живописи и графики, которые в значительно большей мере, чем в Италии, сохраняли связь с традициями готики, но дали художественные достижения мирового значения.

Художественные открытия итальянского Ренессанса приживались в Германии трудно. Основной темой искусства Германии в XVI столетии, как и в средневековье, была попытка в зримых образах воплотить христианский идеал, который часто становился знаменем борьбы против безнравственности и корыстолюбия церковных и светских владык.

У истоков немецкого Возрождения стоит живописец и гравер Мартин Шонгауэр (1435/1440—1491), чье искусство оказало значительное влияние на Альбрехта Дюрера.

Самым ярким представителем искусства Германии эпохи Возрождения был Альбрехт Дюрер.живописец, рисовальщик и гравер, теоретик искусства. Особенно много и плодотворно Дюрер работал в гравюре, в общей сложности создав около трехсот пятидесяти рисунков для гравюр и сто гравюр на меди. Среди них три так называемые «Мастерские гравюры» («Всадник, Смерть и дьявол»), в которых мастерство Дюрера-гравировальщика достигло невиданного совершенства. Впервые в немецком искусстве Дюрер изобразил мифологический сюжет и обнаженную натуру; художник создавал пейзажи как самостоятельный жанр, исполнял аллегорические и библейские картины, монументальные алтарные композиции. Картина «Праздник четок», созданная им по заказу венецианских купцов из Германии, принесла Дюреру восторженное признание искушенных в живописи венецианцев. Дюрер является одним из величайших портретистов в мировом искусстве и автором первого в Европе автопортрета.

Одновременно с Дюрером работал крупнейший художник — Матис Нитхардт (1460/1470—1528), прозванный Грюневальдом. Грюневальд — мастер экспрессивных, драматических религиозных образов, проникнутых мистическим визионерством. С особой силой эти качества сказались в его «Изенгеймском алтаре» для монастырской церкви, центральное место в котором занимает «Распятие».

В скульптуре Германии этой поры высшие достижения также связаны с творчеством ряда мастеров. Фейт Штос.самым крупным его созданием стал резной раскрашенный деревянный алтарь в церкви Марии в Кракове.

Деятельность последнего из крупных немецких живописцев XVI в. — Ханса Хольбейна Младшего — протекала, в основном, вне пределов его родины. В историю мировой живописи Хольбейн вошел, прежде всего, как выдающийся портретист.

Вопрос№2 Творчество Микеланджело.

Микеланджело (1475-1564) - несомненно один из наиболее вдохновенных художников в истории искусства и, наравне с Леонардо Да Винчи, наиболее мощная фигура итальянского высокого возрождения. Как скульптор, архитектор, живописец и поэт, Микеланджело оказал огромное влияние на своих современников и на последующее Западное искусство вообще.

Ранний период - работа во Флоренции.

К этому периоду могут быть отнесены по меньшей мере две дошедшие до наших дней скульптурные работы Микеланджело, которому еще не исполнилось и шестнадцати - Битва Геркулеса с кентаврами и Мадонна на лестнице.

Первый римский период

- Микеланджело тогда поехал в Рим, где он создал первую крупномасштабную скульптуру - Вакха.Примерно в то же время Микеланджело выполнил мраморную скульптуру Пиета (Оплакивание Христа)Это единственная работа, которую он подписал.

-Не менее значимой работой молодого Микеланджело стало гигантское (4.34 м) мраморное изображение Давида выполненное между 1501 и 1504, после возвращения во Флоренцию.Давид, наиболее известная скульптура Микеланджело, стала символом Флоренции.

-Одновременно с работой над статуей Давида, ему была заказана фреска "Битва при Кашине" для Зала Пятиста Палаццо Веккьо.Но он не закончил своей работы - они остановились на стадии картонов - подготовительных изображений в натуральную величину. Микеланджело создал ряд обнаженных и одетых фигур в самых разнообразных позах и положениях.

Роспись свода Сикстинской Капеллы

В 1505 году Микеланджело был вызван в Риму к Римскому Папе Юлию II для выполнения двух заказов. Наиболее важной была фресковая роспись свода Сикстинской Капеллы.На своде папской часовни он изобразил девять сюжетов из Книги Бытия, начиная с Отделения Света от Тьмы и включая Создание Адама, Создание Евы, Искушение и Грехопадение Адама и Евы, и Вселенский потоп. Вокруг основных картин чередуются изображения пророков и сивилл на мраморных тронах, другие старозаветные персонажи и праотцы Христа.

Гробница Юлия II

Еще до того, как в 1505 году Микеланджело было поручено папой Юлием II расписать свод Сикстинской Капеллы, он получил от того же Юлия II заказ на создание для него гробницы, которая должна была стать самым великолепным из всех надгробных памятников Христианских времен. Располагаться гробница должна была в строящемся тогда новом Соборе Св. Петра. Микеланджело с энтузиазмом принялся за эту работу, она должна была включать более чем 40 фигур. Он проводил месяцы в карьерах, чтобы получить необходимый каррарский мрамор.Ввиду нехватки средств, Римский папа приказал ему отложить работу над гробницей и выполнить сначала роспись свода Сикстинской Капеллы.

Капеллы Медичи

Прожив во Флоренции в течение довольно длительного периода, Микеланджело выполнил между 1519 и 1534 годами заказ семейства Медичи на возведение двух гробниц в новой ризнице церкви Сан Лоренцо. В зале с высоким купольным сводом художник воздвиг у стен две великолепные усыпальницы, предназначенные для Лоренцо Де Медичи, герцога Урбино и для Джулиано Де Медичи, герцога Немурского.

Страшный суд

С 1536 по 1541 год Микеланджело работал в Риме над росписью алтарной стены Сикстинской капеллы в Ватикане. Самая большая фреска Эпохи Возрождения изображает день Страшного суда.

Капитолийский холм

В 1538-1539 годах Микеланджело был составлен план реконструкции зданий, расположенных на Капитолийском холме - в самом сердце Рима. План Микеланджело не был полностью реализован до конца 1550-х годов, а работы продолжались вплоть до начала 17-ого столетия.

Купол Собора Св. Петра

В 1546 году Микеланджело был назначен главным архитектором строящегося Собора Св. Петра в Ватикане. Здание было построено согласно плану Донато Браманте, но Микеланджело в конечном счете стал ответственным за сооружение алтарной абсиды и за разработку инженерного и художественного решения купола собора. Завершение строительства Собора Св. Петра стало высшим достижением флорейнтийского мастера а в области архитектуры.

Вопрос №3. Коры и куросы

Помимо рельефа, ставшего неотъемлемой частью архитектуры, антропоморфизм греков наиболее полно проявился в монументальной скульптуре. Ее отличает естественная, жизненная пластика, доносящая до зрителя радостное мироощущение греческих ваятелей.

В период архаики ведущее место занимали куросы и коры. Статуя куроса — обнаженного шагающего юноши — трактовалась как образец силы, доблести, физического здоровья. Этот атлетический идеал красоты сформировался на стадионах в спортивных состязаниях и отражал в высшей степени целомудренное восприятие человеческой наготы.

Юное тело куроса из Аттики (530 г. до н. э.) с широкими плечами и тонкой талией сияет здоровьем. Его мощная грудь, поджарый живот, крепкие ноги и руки полны жизненной силы. В то же время поза —и не движение, и не покой — весьма условна. А лицо, овеянное блаженной, «архаической» улыбкой, которую нельзя назвать ни веселой, ни грустной, выражает состояние ничем не смущаемого духа. Неслучайно для греков тезис «В здоровом теле — здоровый дух» являлся постулатом, ибо они мыслили дух гарантом хорошей физической формы. Именно в куросах скульпторы воплотили идею единства холодного совершенства формы и жизненной правды, достигнув исключительной целостности образа, свойственной греческому искусству.

Под стать куросам безмятежные коры — юные девушки, задрапированные в длинную одежду, с устремленным вперед взором и «архаической» улыбкой. Они охраняли вход в древний храм Афины на Акрополе и, как считалось, вызывали у богини особую радость. Главная интрига при создании кор заключалась в том, что однообразные по чертам и выражению лиц, они приобретают неповторимую индивидуальность благодаря драпировкам тканей, складкам одежд, размещению и рисунку узоров на них.

Сравнивая кору в пеплосе (530 г. до н. э.) и высокую мраморную кору (520 г. до н. э.), можно легко в этом убедиться. Первая кора облачена в шерстяной пеплос, надетый на тонкий льняной хитон. Простая накидка из плотного материала скрывает ее плечи, и весь наряд дает ощущение наивной чистоты и девического простодушия. Свежесть и душевную ясность этого и без того пленительного образа некогда усиливала мажорная цветовая гамма в раскраске скульптуры. В соответствии со вкусом архаики брови и ресницы были синими, глаза и губы — коричневыми, струящиеся по плечам волосы — розовато-красными, края льняного хитона и накидки — зелеными.

Совершенно иной типаж — высокая мраморная кора в роскошном, прихотливо задрапированном коротком плаще, сохранившем местами зеленый цвет, сгущающийся до сизого в глубине ниспадающих складок. Левой рукой (ныне утраченной) кора поддерживала струящийся розовато-коричневый хитон с сине-зеленой каймой по краю. Весь этот каскад драпировок, созвучный завитым прядям волос, складки одежды, то плавные, то резко обрывающиеся, волнообразно змеящиеся узоры говорят о натуре кокетливой, изворотливой и лукавой. Мерцающее в волосах золото, черные брови, красные губы и тронутые прозрачной синевой веки добавляют ее внешнему облику игривость и легкомыслие.

Билет№25

1.синтез искусств в готическом соборе.

Будучи символом Универсума, готический собор был реальным воплощением синтеза искусств, средствами которых этот Универсум воссоздавался. В лоне готического стиля необычайного расцвета достигли скульптура, витражное искусство, этот главный вид готической живописи, декоративное искусство (резьба по камню, дереву, кости и др.), музыка.

2.творчество леонардо да винчи

Итальянский живописец, скульптор, архитектор, инженер, техник, ученый, математик, анатом, ботаник, музыкант, философ эпохи Высокого Возрождения. Леонардо да Винчи родился 1452 в местечке Винчи, недалеко от Флоренции. Во время Ренессанса, европейские художники начали изучать модель природы более внимательно, и выбирали краски с целью большего реализма. Он научился создавать реалистичных людей и животных, и стал квалифицированными специалистами в создании иллюзии глубины и расстояния на плоских стенах и холстах с помощью методов линейной перспективы. Его наблюдения и навыки в качестве иллюстратора позволили ему запоминать и воссоздавать эффекты, какие он видел в природе, а также наполнять живостью его портреты.

Мона лиза, дама с горностаем, мадонна с младенцем,мадонна в гроте, крещение христа.тайняя вечеря.поклонение волхвов

Пулемет,акваланг,танк,вертолет,автомобиль,дельтаплан,парашют.

Билет№26

1.искусство италии 17века.общая характеристика

Италия 2века была фактически на положении испанской провинции. Общий характер культуры и искусства Италии в 17 веке зависел от особенностей ее исторического развития. Именно там зарождается и наиболее развивается искусство барокко.будучи господствующим в итальянском искусстве 17 века, это направление не было единственным. параллельно с ним развиваются реалистические течения, связанные с идеологией демократических слоев итальянского общества и получающие значительное развитие во многих художественных центрах Италии. Стиль барокко, вырабатывавшийся в архитектуре этого времени, характеризуется, с одной стороны, стремлением к монументальности, с другой — преобладанием декоративного и живописного начала над тектоническим. Подобно произведениям изобразительного искусства, памятники архитектуры барокко (особенно церковные сооружения) рассчитаны были на усиление эмоционального воздействия на зрителя. Рациональное начало, лежавшее в основе искусства и архитектуры Ренессанса, уступило свое место началу иррациональному, статичность, спокойствие — динамике, напряжению.

Строцци, сальваторе россо, караваджо-голова медузы.давид с головой голиафа, фетти,доменикино,рени,

архитекторы барокко Л. Бернини, Ф. Борромини.

2.творчество репина.

родился в 1844, живописец жанровой, исторической и портретной живописи. Картины его отличаются сильным и колоритным письмом, верностью передачи характера действующих лиц и эпохи.

Бурлаки на волге, иван грозный и сын его иван. портрет мусоргского,в зале гос-совета.запарожцы пишут письмо турецкому султану

Билет№27

1.маньяризм в итальянском искусстве. болонская академия.

Середина и конец 16в. Этот этап отражал кризис художественных идеалов эпохи Итальянского Возрождения. Искусство Маньеризма в целом характеризуется превалированием формы над содержанием. Изысканная техника, виртуозность манеры, демонстрация мастерства не соответствует скудости замысла, вторичности и подражательности идей.- предвещал рождение Барокко. стиль эпохи Возрождения

Сандро Боттичелли –рождение венеры.илл.божественная комедия, Леонардо да Винчи,Микеланджело Буонаротти-пьетта.давид.сикстинская капелла,Рафаэль Санти-сикстинская мадонна.триумф галатеи.

2.творчество ренуара.

1841-1919 французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма.известен в первую очередь как мастер светского портрета, не лишённого сентиментальности; он первым из импрессионистов снискал успех у состоятельных парижан.

Большие купальщицы, завтрак гребцов, девушка с веером, спящая купальщица,ваза с цветами,спелые плоды.зонтики

Билет№28

1.караваджизм в итальянском искусстве.

Это стиль –реалистическое напрвление европейской живописи (17в) эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположниками стиля считаются Караваджо и его последователи. возникло как оппозиция господствующим направлениям в итальянском искусстве конца 16 начала 17 вв. (маньеризму и академизму) свойственны: демократизм художественного идеала, энтузиазм к непосредственному воспроизведению натуры, завышенное чувство настоящей предметности изображения, активная роль контрастов света и тени в красочном решении картины, рвение к монументализации жанровых мотивов.

Караваджо-маленький больной вакх.гадалка, джентилески,рени. Борджанни.сараченни.карачолло.

2.творчество ван гога.

Голандский живописец-постимпрессионист. Творчество ван Гог отразило сложный, переломный момент в истории европейской культуры. Оно проникнуто горячей любовью к жизни, к простому трудовому человеку. Вместе с тем оно выразило с огромной искренностью кризис буржуазного гуманизма и реализма 19 в., болезненно мучительные поиски духовных нравственный ценностей. Отсюда особая творческая одержимость ван Гога, его порывистая экспрессия и трагич. пафос; ими определяется особое место В. Г. в искусстве постимпрессионизма, одним из главных представителей которого он стал.

Ирисф.подсолнухи.звездная ночь.

Билет№29

1.искусство фландрии 17в.общая характеристика.

В 17в Нидерланды разделяются на две самостоятельные страны.= образуются две большие национальные школы живописи — фламандская и голландская.

крупные размеры картин, монументальность трактовки форм и широкий декоративизм, достигавшиеся главным образом колористическими эффектами. Яркая красочность в соединении с блестящим техническим мастерством - характерные свойства фламандской живописи периода ее расцвета.

Рубенс-водружение креста. Ван дэйк-семейный портрет.якоб иорданс-поклонение волхвов.франс снейдерс-лавки.браувер-драка крестьян при игре в карты.

2.творчество курбе.

французский живописец 19в, скульптор, общественный деятель, представитель и теоретик реализма, один из предшественников импрессионизма. Ранние работы Курбе отражают романтическое мироощущение художника, отмеченное сентиментальной мечтательностью "Автопортрет с черной собакой". Социальное содержание вкладывает художник в более позднюю свою работу - "Каменотесы". Он создал новую эстетику, обосновывающую ценность утверждения в искусстве будничного, повседневного, а также программное утверждение критического реализма во французской живописи.

Женщина на волнах.влюбленные в сельской глуши.

Билет№30

1.искусство барокко фламандской живописи.

расцвет фламандского барокко - 1 пол. 17в. Законодателем в новом стиле стал Питер Пауль Рубенс. В ранний период барочная стилистика воспринимается Рубенсом через призму живописи Караваджо — «Воздвижение креста», «Снятие с креста», «Похищение дочерей Левкиппа». Переходом к зрелой фазе творчества художника стал большой заказ цикла картин «Жизнь Марии Медичи». Картины театральны, аллегоричны, манера письма выразительна. Рубенс демонстрирует невероятную жизнеутверждающую силу барокко, его портреты, особенно женские, открывают этот неиссякаемый для него источник радости. В последний период творчества Рубенс продолжает тему вакханалий — «Вакх» — откровенно телесное восприятие жизни.

Рубенс, Ван Дейк, Йорданс, Снейдерс

2.творчество франсиско гойя

испанский художник и гравёр, один из первых и наиболее ярких мастеров изобразительного искусства эпохи романтизма (18-19в). гравюры Гойи пронизывает беспощадной остроты сарказм: в каждой фантасмагория соседствует с подлинным реализмом, который характерен для всего испанского искусства.трагизм. Гойя был гуманистом в нашем понимании. Ему были близки идеи французской революции и ненавистен захватнический пафос французской буржуазии. Король называл его атеистом и считал, что он вполне заслужил петли. Художнику не раз грозили расправой представители святой инквизиции. Но он оставался смелым и решительным человеком, готовым отстаивать свои права и свои взгляды.

махи на балконе.дом умалишенных.мария-луиза.гравюры-ленивцы.ведьмы.летящие на шабаш.

Билет№31

1.искусство голландии 17в. Общие хар-ки.

С торжеством буржуазного революции и кальвинизма в Голландии прекратилось развитие монументально-декоративного искусства. Дворяне-бедны. Кальвинизм-против украшения храмов монументальной живописью, алтарными картинами или скульптурой. Но Спрос на произведения живописи- оч велик. Он шел по преимуществу от частных лиц, и притом в значительной мере от кругов, не обладавших крупным материальным достатком. Поэтому в Голландии развивается и становится господствующим тип небольших станковых картин, рассчитанных на то, чтобы висеть в скромных по размерам помещениях. реалистические тенденции. стремиление к правдивой передаче окружающей жизни. Следствием возросшего значения личности явилось широкое распространение портрета. отсутствует импозантность и нарочитая аристократизация образа, характерная для парадных портретов барокко. Строгие и скромные изображения голландских бюргеров, погрудные, а иногда и во весь рост, отличаются прежде всего скрупулезной точностью в передаче индивидуального сходства. Вместе с тем, не идеализируя внешность, художники умели подчеркнуть чувство собственного достоинства, уверенность и оптимизм своих моделей.

Франс халс-смеющийся мальчик. Рембрандт-даная,святое семейство,портрет хендрикье стофферс.возвращение блудного сына. Гойен. Рейсдал. Сегерс. Кейп. Поттер. Берхем. Ян стен-гуляки.больная и врач. Тербох-урок музыки. Питер де хох. Ян вермер. Хэйсум «цветы»

2.творчество сурикова.

Художник-мыслитель (1848 в красноярске в казачьей семье-1916) масштабных исторических полотен. В своих произведениях он показал историю, "творимую и движимую самим народом", в противоречивых явлениях раскрыл ее закономерный объективный характер.

Боярыня морозова.утро стрелецкой казни.переход суворова через альпы.взятие снежного городка.тепн разин.покорение сибири ермаком.

Билет 32

1.народные основы голландского искусства.великие представители реалистичекой живописи.

Малые голландцы («голландский стиль», «голландское барокко») Художественная школа голландской живописи XVII в., в которую условно объединяются мастера пейзажной и бытовой жанровой картины небольшого размера, отсюда название. Особенности живописи малых голландцев были обусловлены историческим развитием голландского искусства, а также конъюнктурой рынка. Картины «малых голландцев» предназначались не для дворцов или храмов, а для скромного интерьера обычного жилого дома. Их покупали горожане, ремесленники и даже крестьяне. Они висели буквально в каждом доме. Такого еще не бывало в истории искусства. Художественная жизнь «золотого века» голландской живописи, каким по праву считается XVII столетие, отличалась огромной продуктивностью. Ни в одной другой национальной школе, кроме голландской, так далеко не заходила специализация живописцев внутри каждого жанра.

Арт фан дер Hep писал только вечерние и ночные пейзажи, Хендрик Аверкамп — зимние, Эгберт фан дер Пул — «ночные пожары». Корабли на рейде писали Я. Порселлис и С. де Флигер, виды равнин — Ф. Конинк, интерьеры церквей — П. Я. Санредам, А. де Лорм, натюрморты-завтраки П. Клас и В. К. Хеда, цветы - К. де Хем. Мастерами бытовых сцен в интерьерах были П. де Хох, Ф. Мирис, Г. Метсю, Г. Терборх.

Питер де Гоох, Терборх, Местю, Стэн

2.творчество боровиковского.

(1757—1825) русский художник, мастер портрета. Стиль: Классицизм. преобладает камерный портрет. В женских образах он воплощает идеал красоты своей эпохи. Художник тонко передает внутренний мир изображаемых им людей. В камерном сентиментальном портрете, имеющем определенную ограниченность эмоционального выражения, мастер способен передать многообразие сокровенных чувств и переживаний изображаемых моделей. Примером тому может послужить выполненный в 1799 году «Портрет Е. А. Нарышкиной».

Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке

Портрет М. И. Лопухиной

Билет№33

1.малые голландцы.представители бытового жанра гол.искусства 17в.

- традиционное название обширного круга голландских (Нидерланды) живописцев XVII в.; возникло в связи с камерным характером их творчества, небольшим размером их картин (пейзаж, интерьер, бытовые сюжеты). Для живописи малых голландцев характерны тонкость письма, выразительность небольших деталей, красота световых и колористических нюансов, общее ощущение уюта, близости и единения персонажей в пейзажной или интерьерной среде. Среди наиболее ярких представителей - Я. Вермер, братья Остаде, Г. Терборх, Я. Стен, Г. Метсю.

Самым популярным в голландской живописи был бытовой жанр, во многом определивший своеобразные пути ее развития по сравнению с искусством других стран. голландская жанровая живопись поэтизировала крестьянский или бюргерский быт с его особым настроением, интимной атмосферой мирного уюта (картины А. ван Остаде, К. Фабрициуса, П. де Хоха, Я. Вермера, Г. Терборха, Г. Метсю). В 17 в. наметилось расхождение между демократическим направлением в Бытовой жанр, приближавшимся иногда к осознанию противоречий жизни, и идеализирующим искусством, рисовавшим картины идиллического благополучия жизни крестьян или богатого городского бюргерства (К. Нетсхер). Победа идеализирующего направления привела к упадку голландского Быт. жанра в конце 17 в.

2.творчество гейнсборо.

английский живописец, график, портретист и пейзажист 18в. Стиль: реализм. работы в двух жанрах — портрет и пейзаж. Если портреты Гейнсборо зачастую делал на заказ, то пейзажи исполнял «для себя». Тем не менее и в портретных работах мы нередко видим использование в качестве фона видов природы. Деликатная, утонченная манера зрелого мастера словно бы предопределяла «созвучие» отстраненно-мечтательного настроения моделей портретов и состояния окружающего их пейзажа.

Корнардский лес.Утренняя прогулка.Портрет Роберта Эндрюса с женой.Голубой мальчик.Портрет короля Георга III.Дама в голубом

Билет №34

1.пейзажная живопись в голландии 17в. Основные мастера.

Середина 17в –наивысш. подъем голландской пейзажной живописи. Тематика однообразна: пустынные дюны, скромные селения, каналы с тихо скользящими лодками рыбаков или те же каналы зимой, оживленные конькобежцами. Наиболее ярким представителем этой стадии голландского пейзажа является Ян ван Гойен- отличается по большей части монохромным (условно-однотонным) характером (Конькобежцы). -Подобное представляются уже слишком буднично-скромным во2й половине века, и тогда слагается пейзажная живопись несколько иного типа. Сохраняя свою реалистическую сущность, она отличается теперь большей широтой концепции, более синтетична и рассчитана на более сильное эмоциональное воздействие. Сами мотивы ищутся с учетом их эффектности и новизны. Колорит, оставаясь сдержанным, приобретает большую интенсивность тона- Якоб ван Рейсдалъ.(болото)

2.творчество антуана ватто.

французский живописец и рисовальщик 18в, основоположник и крупнейший мастер стиля рококо. Ватто был создателем своеобразного жанра, традиционно называемого «галантными празднествами». Сущность этих сцен раскрывается не столько в их прямом сюжетном значении, сколько в тончайшей поэтичности, которой они проникнуты. «Праздник любви» (1717), как и другие картины Ватто, содержит в себе богатую гамму эмоциональных оттенков, которым вторит лирическое звучание пейзажного фона. Ватто открыл художественную ценность хрупких нюансов чувств, едва уловимо сменяющих друг друга. Его искусство впервые ощутило разлад мечты и реальности, и поэтому оно отмечено печатью меланхолической грусти.

Бивак. Савояр с сурком.Праздник любви.Общество в парке.Затруднительное предложение.Капризница.Меццетен.Паломничество на остров Киферу

Билет№35

1.испанское искусство 17в.основные хар-ки.

Специфические черты испанского искусства 17 века, его демократизм и утонченный интеллектуализм, многочисленность локальных местных и творческих направлений от особенностей исторического развития Испании. На протяжении 8—15 века, проходивших под знаком национально-освободительной борьбы (реконкисты) испанского народа с завоевателями-маврами, в Испании сложились формы государственности, общественные отношения и ярко выраженные черты национального характера. Сформировалась народная основа ультуры. движущей силой реконкисты были народные массы, крестьянство, рано освободившееся от крепостной зависимости и осознавшее свои гражданские нрава. В искусстве чувствовались веяния народного творчества с его свежестью восприятия жизни. его развитию способствовала устойчивость местного самоуправления, сохранение монолита патриархальных отношений, независимость провинциальной жизни народа от общегосударственной. Большое влияние на развитие испанского искусства оказали арабская культура и искусство, отличавшиеся живописностью, декоративностью, динамичностью. усвоила от итальянцев языческие вкусы Возрождения, тягу к роскоши, жажду удовольствий и личного счастья, у французов — свободу нравов. Идеи гуманизма, особый интерес к проблемам психологии нашли выражение в литературе и искусстве того времени. Крах политики испанских королей, пытавшихся создать мировую империю, катастрофическое разорение городов, последовавшее за революцией цен в мировом масштабе, привели страну к обнищанию. В ней наступила феодальная реакция, давали себя чувствовать последствия контрреформации.

2.творчество серова.

(1865—1911) русский живописец и график, мастер портрета. Творчество Серова раннего периода формировалось под влиянием реалистического искусства Репина и строгой пластической системы Чистякова. Большое воздействие на Серова оказала живопись старых мастеров, виденная им в музеях России и Западной Европы, дружба с М. А. Врубелем, а позже с К. А. Коровиным. На рубеже столетий происходит перелом в стилистических исканиях Серова, в его творчестве окончательно исчезают черты импрессионизма и всё более последовательно развиваются принципы стиля "модерн", неизменно при этом сохраняется глубоко правдивое и реалистическое постижение природы и человека.

Похищение европы. портрет левитана. девушка, освещенная солнцем. девочка с персиками.

Билет№36

1.реалистические и антиреалистические средневековые тенденции в испанском искусстве 17в.

В творчестве большинства художников, работающих в это время в Испании, явственно обозначается отход от строгой правдивости, простоты и жизненности, характерных для искусства лучших мастеров первой половины века. Постепенно теряется непосредственная связь искусства с окружающей действительностью, вместе с тем происходит и утрата народности и демократических тенденций, присущих творчеству таких художников, как Веласкес и Рибера. Искусству многих мастеров второй половины 17 века свойственны черты идеализации, искания декоративности, внешней эффектности. С другой стороны, можно отметить усиление в их творчестве мистических тенденций. Реалистические тенденции испанской живописи дольше всего хранила севильская художественная школа, выдвинувшая последнего крупного испанского художника 17 века — Бартоломео Эстебана Мурильо (1618—1682). В его творчестве строгий реализм и суровая простота искусства его старших современников заметно смягчаются. Его искусство более поверхностно, ему присущи искания внешней красивости, идеализирующие тенденции. Реалистические черты творчества Мурильо находят наиболее яркое выражение в его жанровых работах, изображающих севильских детей (Мальчик с собакой). Другим видным представителем севильской школы в конце 17 века был Вальдес Леаль (1622—1690). Его нервное, темпераментное искусство очень отличается от спокойного лиричного искусства Мурильо. Мистицизм, которым проникнуты некоторые работы Вальдеса Леаля, столь же характерен для испанского искусства конца 17 века, как и присущие его творчеству декоративные тенденции. Особенной известностью пользуются картины Вальдеса Леаля на тему бренности земного существования («Иероглифы смерти», Севилья, госпиталь Каридад), в которых иллюзорность в трактовке деталей сочетается с фантастикой и ирреальностью целого.

Свойственные всему испанскому искусству суровый драматизм и выразительность образов сочетаются в работах лучших испанских скульпторов с простотой и жизненностью трактовки. Эти черты уже присущи творчеству одного из видных испанских мастеров начала 17 века — Грегорио Эрнандеса (1570—1636). Самым крупным испанским скульптором 17 века был Хуан Мартииес Монтаньес (1580—1649) — представитель севильской школы. В его искусстве готические пережитки оказываются полностью преодоленными. Работы Монтаньеса характеризуются монументальностью, величавой простотой и глубоким драматизмом. Его образам присуща большая одухотворенность; вместе с тем они совершенно лишены внешнего пафоса, отличаются реализмом трактовки, нередко наделены яркими индивидуальными чертами. Одной из наиболее прославленных работ Монтаньеса является Распятие в соборе в Севилье. С конца 17 века испанское искусство вступает в период упадка и па протяжении значительной части 18 века не играет заметной роли в развитии западноевропейской художественной культуры.

2.творчество поля сезанна.

1839-1906 - французский живописец, один из крупнейших представителей постимпрессионизма. Ранний период творчества П.Сезанна принято условно называть романтическим или барочным (1860-1872) он создает свой фантастический мир и пытается выразить в нем всю гамму человеческих страстей. Живя с постоянным ощущением сложности окружающего мира, П.Сезанн не мог оставаться в рамках простой созерцательности и правдивого отображения увиденного. Он всегда стремился акцентировать внимание зрителя на том, что для него было главным в картине. С этой целью он деформировал фигуры, создавал композиции с неустойчивым равновесием, использовал насыщенные темные краски, положенные большими массами ("В комнатах"). К концу 1860-х гг. живописная манера меняется в сторону большей сдержанности и строгости композиции.(девушка у пианино). Для импрессионистического периода (1872-1879) характерны приближенная к реальной жизни интерпретация образов, тонкая передача световоздушной среды и более светлая цветовая гамма. Основным жанром для Сезанна становится пейзаж, а единственным объектом наблюдения - природа.(яблоки.персики.груши и виноград). в конструктивный период творчества он в совершенстве овладел передачей световоздушной среды, усилил структурно-предметные элементы своих композиций (Пьеро и Арлекин). В синтетический период (1888-1899) П.Сезанн создает цельный, устойчиво-подвижный образ природы. 1900-е гг. спонтанная живопись в его творчестве: композиция картины не продумывается заранее, она возникает как бы сама по себе в процессе работы. Мужественно-суровая палитра художника начинает приобретать лирические оттенки (Голубой пейзаж)

Билет№37

1.французское искусство 17в.

В конце 16 века во Франции закончились гражданские войны. В стране, истощенной длительным периодом смут и междоусобиц, был восстановлен относительный внутренний мир. С первых лет 17 века Франция вступает в период укрепления абсолютизма, который достигает своего полного расцвета к середине столетия при Людовике XIII и особенно его преемнике Людовике XIV. Являясь политической формой господства дворянства, абсолютная монархия во Франции в то же время «служила сильным оружием нарождающемуся буржуазному обществу в борьбе его с феодализмом» и на протяжении значительной части 17 века поддерживала развитие отечественной экономики, прежде всего промышленности и торговли. В начале 17 века значительное развитие во Франции получает крупное мануфактурное производство. Складывается и укрепляется внутренний рынок, что способствует укреплению национального единства. Развивается зарубежная торговля, правительство учреждает целый ряд торговых компаний. К середине 17 века Франция становится одной из крупнейших торговых держав. Расширяются ее колониальные владения. Капиталистический уклад начинает проникать и в сельское хозяйство страны. Однако подъем французской экономики был достигнут за счет жестокой эксплуатации народа. Тяжесть налогов ложилась прежде всего на французское крестьянство, что было причиной многочисленных и жестоко подавлявшихся восстаний, происходивших на всем протяжении 17 века.

Наступление политического мира, быстрое развитие экономики, консолидация национальных интересов сопровождались и подъемом в области духовной жизни страны.

17 век — время формирования и блестящего расцвета французской национальной культуры, самых разнообразных ее областей. К этому времени относится ряд крупных достижений французской науки, особенно математики и физики. Очень значительные явления выдвигает и французская философия в лице Гассенди, Бейля и особенно Декарта. В философии Декарта, утверждающей разум главным средством познания истины, нашел свое законченное выражение рационализм, характерный для всей французской культуры 17 века. Он показателен и для многих явлений литературы и изобразительного искусства Франции, особенно для направления, известного под названием классицизма.

К середине 17 века был в целом завершен процесс формирования единого национального французского языка и начался период подъема французской литературы. Уже на рубеже 16 и 17 веков Малерб выступает как один из первых крупнейших национальных поэтов. В дальнейшем, на протяжении всего 17 века, французская литература выдвигает очень значительные и разнообразные явления. В лице Корнеля и Расина достигает своего высшего расцвета французская классицистическая трагедия. Поэт и теоретик Буало дает в своих трудах теоретическое обоснование классицизма. Ко второй половине 17 века относится творчество Мольера — крупнейшего представителя реалистической драмы. Его современниками были знаменитый баснописец Лафонтен и прозаик Лабрюйер. Яркий расцвет переживают в 17 веке французская архитектура и изобразительное искусство.

билет 37.

1.Творчество Федотова Павла Андреевича.

Родоначальник юмористического жанра в русской живописи. Довольно бросить беглый взгляд на совокупность произведений этого замечательного художника, чтобы распознать в них два направления, не представляющих, однако, резкого перехода от одного в другое. Работы, относящиеся к первому направлению, ограничиваются рисунками и эскизными набросками. Они сильно отзываются влиянием Хогарта. В них Федотов, ещё плохо владея рисунком, не столько добивается точного воспроизведения действительности, сколько успевает рельефно выставлять напоказ общечеловеческие слабости и недостатки и осмеивать пошлые или тёмные стороны современных ему русских нравов. Сочинение этих произведений отличается сложностью и запутанностью; их основная идея, так сказать, подчеркивается прибавкою к выражающей её главной сцене побочных эпизодов; художник не скупится на аксессуары, могущие усилить вразумительность сюжета, и иногда совершенно загромождает ими свою композицию; движение человеческих фигур хотя и характерно, но угловато и утрированно; то же самое надо сказать и о лицах, которых тип и экспрессия переходят в гримасу. Словом, преобладающий элемент этих работ — карикатура. Но по мере того, как Федотов все более и более покорял себе трудности рисунка и осваивался с приёмами живописи, характер его произведений изменялся, делаясь менее изысканным. При этом типичность изображаемых фигур, осмысленность их движений и экспрессивность лиц не только не ослабевали, но и возрастали вследствие того, что художник все сильнее и сильнее укреплялся в привычке работать с натуры, не навязывая ей форм и выражения, представлявшихся его фантазии, но подыскивая в реальном мире то, что соответствовало этим представлениям; нагроможденность композиции, уяснение её посредством разных мелочей постепенно сменялись простотой и естественностью; самая идея, ложившаяся в основу композиции, становилась все более и более серьёзной и близкой к жизни. Стремясь идти в этом направлении и преодолевая затруднения, которые возникали перед ним почти на каждом шагу в недостаточно покорной технике, Федотов благодаря своему острому уму, редкой наблюдательности и упорному трудолюбию достиг блестящих результатов; но они, без всякого сомнения, были бы ещё более поразительны, если бы судьба обставила его жизнь лучшими условиями и не пресекла её столь жестоко и преждевременно. Тем не менее, и сделанного им достаточно для того, чтобы его имя осталось навеки одним из самых славных имен в истории русского искусства. Он открыл новую, ещё никем до него не тронутую в нашей живописи жилу национальности и сатиры, первый из всех художников показал пример удачной её разработки и оставил её в наследство возникшим после него талантам.

Билет №38

1. Классицизм и реализм французского искусства в 17веке.основные Мастера

Классицизм - Стилистическое направление, важнейшей чертой которого было обращение к античному искусству как эталону и опора на традиции Высокого Возрождения. Для архитектуры французского классицизма 17 века были характерны логичность и уравновешенность композиций, четкость прямых линий, геометрическая правильность планов и строгость пропорций.во второй половине 17 века классицизм стал официальным искусством абсолютистской монархии, он вобрал в себя элементы барокко. Во главе направления становится парижская Академия художеств, которой принадлежит создание свода искусственных догматических правил и якобы непоколебимых законов композиции рисунка.строятся крупные дворцовые комплексы - Люксембургский дворец и дворец Пале-Ро-яль.Преобладание классицистических тенденций сказалось в таких сооружени-ях, как церковь де ла Визатасьон (1632-1634) и церковь монастыря Минимов (начата в 1632г.), созданных Ф. Мансаром.Среди произведений де Броса видное место занимает церковь Сен-Жерве (начата в 1616 г.) в Париже. В этой церкви, построенной по плану церквей итальянского барокко, традиционные элементы церковных барочных фасадов сочетаются с готической вытянутостью пропорций.Создателем первого в архитектуре французского классицизма ансамбля дворца, парка и города Ришелье (начат в 1627 г.) был Жак Лемерсье.крупнейшим зодчим первой половины столетия был Франсуа Мансар (1598-1666). Его крупным произведением является церковь женского монастыря Валь де Грас .рупнейший французский архитектор XVII столетия - Жюль Ардуэн-Мансар (1646-1708; с 1668 г. он носил фамилию Ардуэн-Мансар). Площадь Людовика Великого (впоследствии Вандомская; 1685-1701) и площадь Побед (1648-1687) в Париже были возведены по его проек-там.Версаль создавался:архитекторы Луи Лево и Ардуэн-Мансар, мастер садо-во-паркового искусства Андре Ленотр (1613-1700) и художник Лебрен, уча-ствовавший в создании интерьеров дворца.

2 Гоген

(1848-1903) Французский живописец. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма. Ранний период творчества связан с импрессионизмом. С 1880 года участвовал в выставках импрессионистов. С 1883 года профессиональный художник. Работы Гогена не находили спроса, художник был беден.

Основные работы:Сбор урожая в Бретани,Бретонский пейзаж со свинопасом, Желтый Христос,Женщина с цветком.

Билет№39

1.французское искусство 18в

Просвещение. Литература, музыка и театр достигают в эту эпоху той художественной зрелости, которая пришла к живописи в XVI-XVІІ вв., достаточно назвать романы Прево, Филдинга, Смоллета, Вольтера, Гете, музыку Баха, Моцарта, Гайдна. В лучших худ. произведениях -анализ тончайших переживаний человека, воспроизведение нюансов чувств и настроений. Интимность, лиризм образов, но и аналитическая наблюдательность - характерные черты 18в., как в жанре портрета, так и в бытовой живописи. Эти свойства художественного восприятия жизни являются вкладом 18в в развитие мировой худ. культуры, утрата универсальной полноты в изображении духовной жизни, цельности в воплощении эстетических воззрений общества. Смерть короля-солнца = приход новых веяний в искусстве. Смена строгого придворного этикета совершенно противоположной атмосферой: легкомыслия, жажды наслаждений, развлечений, роскоши не столь тяжеловесной, как в ушедшую пору, и жизненного распорядка не столь торжественного. Но в этом бурном веселье, желании успеть насладиться всем была и доля бравады, тревоги, предчувствие краткости мгновения, надвигающихся грозных бедствий. Появляются частные коллекции, салоны. На долгие десятилетия Франция превращается в центр художественной жизни Западной Европы, в законодательницу всех художественных нововведений, она становится во главе всей духовной жизни Европы. активно вытеснялась религиозная культура светской, ведущим направлением во Франции стало рококо - порождение исключительно светской культуры, двора, французской аристократии. Оно сумело не только оставить след в искусстве, но и повлиять на дальнейшее ее развитие. Мир миниатюрных форм нашел свое главное выражение в прикладном искусстве - в мебели, посуде, бронзе, фар форе, а в архитектуре преимущественно в интерьере, где важным теперь было не пышное и величавое, а приятное и удобное. строго классистичны по экстерьеру. Внутри же стены разбиты филенками, нишами, обильно украшены живописью, лепниной, позолотой, мелкой пластикой, декоративными тканями, бронзой, фарфором, зеркалами. Все это вместе составляет праздничное, действительно феерическое зрелище. Формы дробные, ажурные, орнамент сложный, построенный на изогнутых линиях, краски живописных панно или станковых картин прозрачные, светлые. Все искусство рококо построено на асимметрии, создающей ощущение беспокойства игривое насмешливое, вычурное. Не случайно термин "рококо" возводят к слову "раковина", "рокайль". Сюжеты только любовные, эротические, любимые героини - нимфы, вакханки, Дианы, Венеры. Портрет и пейзаж - не случайно очень важные в эту эпоху жанры. За легкомыслием, остроумием и насмешливой иронией рококо были и раздумья о судьбе человека, о смысле существования.становится модным стилизация под греческое искусство-зарождение неоклассицизма. В своем развитии скульптура проходит те же этапы, что и живопись. Если говорить схематично, то это преимущественно рокайльные формы в первой половине века и нарастание классицистических черт - во второй. Монументальность форм, еще жив дух барокко предшествующей поры. Но в следующие произведения говорят о новом эстетическом идеале эпохи: быстрое движение, резкий поворот, исключающие медленный торжественный ритм, свойственный скульптуре XVІІ в.

Жан Антуан Ватто-паломничество на остров цитеру. Франсуа Буше-Купанье Дианы. Жан Батист Симеон Шарден

2.творчество левитана.

19в. русский художник, мастер пейзажа, основоположник жанра «пейзаж настроения». открыл для современников скромную красоту русской природы. Начинал работать под руководством Саврасова и Поленова. Левитан избегал изображать внешне эффектные места. В самом простом деревенском мотиве он находил то родное и бесконечно близкое, что так неотразимо действует на душу русского человека. Творческий путь Левитана длился всего около двадцати лет, но за эти годы он создал больше, чем все остальные пейзажисты России вместе взятые. Можно без преувелечения сказать, что после Левитана русский пейзаж стал другим. Левитан умер в 1900г.

Осенний день в сокольниках. Золотая осень. После дождя Плес. Владимирка. Вечерний звон. У озера. Лето. Март.

Билет№40

1.стиль рококо и его упадочные черты во французском искусстве 18в и его представители.

Изобразительному искусству XVІІІ столетия в лучших произведениях свойственны анализ тончайших переживаний человека, воспроизведение нюансов чувств и настроений. Интимность, лиризм образов, но и аналитическая наблюдательность - характерные черты искусства XVІІІ в., как в жанре портрета, так и в бытовой живописи. Эти свойства художественного восприятия жизни являются вкладом XVІІІ столетия в развитие мировой художественной культуры, хотя следует признать, что это было достигнуто ценой утраты универсальной полноты в изображении духовной жизни, цельности в воплощении эстетических воззрений общества, свойственных живописи Рубенса, Веласкеса, Рембрандта, Пуссена.

2.творчество врубеля.

русский художник рубежа 19-20вв, мастер универсальных возможностей, прославивший своё имя практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства: живописи, графике, декоративной скульптуре, театральном искусстве. Он был известен как автор живописных полотен, декоративных панно, фресок, книжных иллюстраций. Стиль-символизм. Врубель выступал в роли архитектора и мастера прикладного искусства — создал проект фасада дома С. И. Мамонтова на Садово-Спасской улице в Москве (1891), а для ворот дома Мамонтова в Москве — декоративную скульптуру «Маска льва». в его произведениях нередки элементы загадочности, таинственности, характерные и для поэзии раннего русского символизма. Стремление создать сложную картину мира, в котором всё взаимосвязано и одушевлено, а за привычным обликом предметов таится своя особая и напряжённая жизнь, приводит к органическому слиянию в произведениях Врубеля мира человеческих чувств и мира природы.

Демон сидящий, Пан, Царевна-Лебедь, хождение по водам, Полет Фауста и Мефистофеля

Билет№41

1.французский реализм 18в.

Реализм 18 века наиболее полно выразился в раскрытии образа человека. У художников-реалистов борьба за эмансипацию личности, рост ее индивидуального и гражданского самосознания нашли отражение в интересе к образу «естественного человека», к его живым интимным чувствам, вне сфер воздействия официальных норм жизни и сословной иерархии. Это определило и обращение к темам обыденной жизни частного человека, не нарушающего исконных законов природы. Утвердился интерес к индивидуальному, неповторимому и характерному, к тонкому психологическому анализу.

Шарден-автопортрет с козырьком. Грёз-избалованное дитя. Буше-юпитер и калисто.. Гро-наполеон бонапарт на аркольском мосту.

2.художники группы «мир искусства».

Художественное объединение, сыгравшее исключительно важную роль в истории русского символизма и модерна. Сложилось в Петербурге к концу 1890-х годов на основе дружеского кружка, который составили десятилетием раньше выпускники частной гимназии К.И.Мая (первоначально – А.Н.Бенуа, В.Ф.Нувель и Д.В.Философов; затем к ним примкнули Л.С.Бакст, Е.Е.Лансере, К.А.Сомов и С.П.Дягилев, фактически возглавивший кружок). Их первым масштабным публичным выступлением явилась «Выставка русских и финляндских художников», состоявшаяся в начале 1898. Наряду с членами кружка в ней участвовали А.М.Васнецов, М.А.Врубель, К.А.Коровин, И.И.Левитан, С.В.Малютин, А.П.Рябушкин, В.А.Серов, а также финские мастера (А.Галлен-Каллела, А.Эдельфельт и др.). В том же году начал выходить журнал «Мир искусства»; его издателями были княгиня М.К.Тенишева и С.И.Мамонтов, главными же идеологами были Бенуа и Дягилев. Благодаря журналу укрепилась взаимосвязь символистских тенденций в литературе и изо-творчестве, четче проступили параллели нового искусства России и Западной Европы, – русский изобразительный символизм окончательно самоопределился. На последующих выставках к «Миру искусства» примкнули И.Я.Билибин, А.Я.Головин, М.В.Добужинский, Д.Н.Кардовский, Е.Е.Лансере, М.В.Нестеров, А.П.Остроумова-Лебедева, Л.О.Пастернак, В.Д.Поленов, И.Е.Репин, Н.К.Рерих, К.Ф.Юон, М.В.Якунчикова и немало других художников.

В процессе выставочного самоопределения «Мира искусства» базисное значение имели национально-романтические тенденции, продолжавшие «русский стиль», сложившийся в абрамцевском кружке. Другим, не менее (если даже не более) важным полюсом движения был программный «европеизм», которого придерживались члены-основоположники, входившие в первоначальный петербургский кружок (именно это «западничество», исконно сопряженное с исторической эстетикой Петербурга, связывают с понятием собственно «мирискуснического» стиля). Разделение касалось и обострившегося интереса к национальному наследию: приверженцев «русского стиля» влекла допетровская Русь, «западников» – 18 столетие, рокайльно-классицистический «век Просвещения». В любом случае объединяющим началом служил пассеизм, романтический культ прошлого, которое противопоставлялось «вульгарной» современности в форме красочной стилизации или пародийного гротеска, поэтому особое развитие в искусстве этого круга получили книжный дизайн и сценография – с их замкнутыми в себе, узорчатыми мирами историко-ретроспективных грез и фантазий. Модернистский культ изысканно-театрализованной, «нездешней» красоты резко отделял «мирискусников» от несравнимо более консервативных «передвижников», но, с другой стороны, и от нарождавшегося русского авангарда, менее элегически-созерцательного и гораздо более активно открытого не только к прошлому, но и к настоящему и будущему.

Билет №42

1. Русское искусство 18 века.

Из Европы в Россию звали архитекторов, живописцев, граверов, скульпторов, а способные к искусству русские молодые люди отдавались им в ученики. Скульптор итальянец Карло Бартоломео Растрелли так же был приглашен Петром 1. Гораздо скромнее эффектных скульптурных композиций Карло Растрелли были произведения живописца Алексея Петровича Антропова Но зато люди в его портретах живее и проще.

Другой талантливый портретист 18 века – Иван Петрович Аргунов был крепостным графа Шереметева. Его портреты изящнее, легче антроповских, позы его героев свободнее и подвижнее, сама живопись мягче, воздушнее. Но и он показывает людей точно и просто, не склонен льстить им.

Представителями классицизма были архитекторы Баженов, Казаков, Кваренги, Камерон, Старов. В скульптурных портретах замечательного русского мастера Федота Ивановича Шубина нет пышности портретов Карло Растрелли. Он видит значительность человека не в богатой одежде и не в гордой позе, а в характере человека, умеет подчеркнуть в каждом главные, существенные для него черты. Три имени знаменуют вершину русского живописного портрета 18 века: Рокотов, Левицкий и Боровиковский. Рокотов пишет мягко, воздушно. Полунамёком, ничего не вырисовывая до конца. В портретах написанных Дмитрием Григорьевичем Левицким, нет поэтической дымки, окутывающей образы Рокотова. Он зорче, трезвее смотрит на своих героев, его интересует разнообразие характеров, и он умеет их показать даже в торжественных парадных портретах. Владимир Лукич Боровиковский работал уже в конце 18 века и в первой четверти 19 века. В его портретах задумчивые девушки, написанные прозрачными, светлыми красками мечтают на фоне зелени сада.

2. Анри́ Мати́сс (1869-1964)

французский художник и скульптор, лидер течения фовистов. Известен своими изысканиями в передаче эмоций через цвет и форму. Цветовое воздействие картин Матисса крайне сильно; реакция бывает, впрочем, и отрицательной, но всегда очень интенсивной. Его картины -- звучные, громогласные фанфары, порой оглушительные. Добивается этого крайне подчеркнутыми цветовыми контрастами.

Известные работы – «Танец»(1909-1910) «Музыка»(1910) – на обеих изображены красные тела. «Красные рыбки» (1911)

Билет№43

1.развитие реализма в русской живописи первой половины 18го века.Основные представители)

До начала XVIII столетия в русской живописи развивались преимущественно иконописные традиции.

Однако в XVIII в. живопись постепенно стала приобретать европейские черты: художники осваивали линейную перспективу, позволяющую передать глубину пространства, стремились правильно изображать объём предметов с помощью светотени, изучали анатомию, чтобы точно воспроизводить человеческое тело. Распространялась техника живописи маслом, возникали новые жанры.

Особое место в русской живописи XVIII в. занял портрет. Наиболее ранние произведения этого жанра близки к парсуне XVII в. Персонажи торжественны и статичны. Иван Никитич Никитин - след в русской живописи.(1680 — около 1742) был одним из первых русских портретистов.

Основные представители:

Алексеев Федор Яковлевич

Антропов Алексей Петрович

Аргунов Иван петрович

Басин Петр Васильевич

Боровиковский Владимир Лукич

Брюллов Карл Павлович

Воробьев Максим Никифорович

Левицкий Дмитрий Григорьевич

Рокотов Федор Степанович

Шибанов Михаил

Тропинин Василий Андреевич

2.творчество Пикассо (испанский художник скульптор дизайнер)

"Голубой" период (1901-1904)

К "голубому" периоду относят работы, созданные в промежутке между 1901 и 1904 гг. Серо-голубые и сине-зеленые глубокие холодные цвета, цвета печали и уныния, постоянно присутствуют в них. Пикассо называл голубой "цветом всех цветов". Частые сюжеты этих картин - изможденные матери с детьми, бродяги, нищие, слепые. Наиболее известные работы этого периода: "Жизнь" (1903), "Завтрак слепого" (1903), "Скудная трапеза" (1904), "Любительница абсента" (1901), "Свидание" (1902), "Мать и дитя" (1903), "Нищий старик с мальчиком" (1903, "Гладильщица" (1904), "Двое" (1904).

"Розовый" период (1904 - 1906)

"Розовый период" характеризуется более жизнерадостными тонами - охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений - арлекинами, бродячими актерами, акробатами ("Семейство комедиантов" (1905), "Акробат и молодой Арлекин" (1905), "Шут" (1905). Очарованный комедиантами, ставшими моделями его картин, он часто посещал цирк Медрано; в это время арлекин - любимый персонаж Пикассо. В 1904 году в Пикассо встретил модель Фернанду Оливье, которая вдохновила его на создание многих значительных работ этого периода.

Знаменитую "Девочку на шаре" (1905) относят к переходным картинам между "голубым" и "розовым" периодами.

В позднем творчестве художник часто обращается к женскому портрету (портреты Жаклин Рок). Жаклин остается последней и верной женщиной Пикассо и ухаживает за ним, уже больным, ослепшим и плохо слышащим, до самой его смерти. Умер Пикассо 8 апреля 1973 в возрасте 92 лет.

Билет №44

1.зарождение русской скульптуры как самостоятельного вида искусства в 18в

До 18 века развитию скульптуры в России мешали церковные запреты. Более всего была распространена плоская резьба по камню и дереву. Отношение к объемной пластике в искусстве древней Руси. Традиции церковной деревянной скульптуры.Обращение к новым темам. Овладение искусством скульптурного бюста, монументальной статуи. Роль медальерного дела. Переход к новым принципам пропорционального построения, приемам композиции многофигурного барельефа, каркасной организации фигуры, характеру обнаженного тела, укрывающего его покрова и др. Материалы скульптуры - восковое и бронзовое литье, белый камень, мрамор, лепнина из алебастра (стук), терракота, резьба по дереву. Большая роль иностранных мастеров в деле приобщении к этому искусству. Русские резчики - создатели декорации триумфальных ворот и иконостасов. Иконостас Петропавловского собора - работа Ивана Петровича Зарудного (?-1727).

Скульптура Летнего сада. Состав мастеров. Роль этого ансамбля в приобщении русского зрителя к новой системе аллегорического мышления.

Декоративные рельефы немецкого скульптора Андеаса Шлютера (1664-1714) в России с 1713 г.) на фасадах Летнего дворца. Резные дубовые панно в кабинете Петра I в Большом Петергофском дворце французского мастера Никола Пино (1684-1754, в России с 1716 по 1726 г.)

Ведущая роль Бартоломео Карло Растрелли (1675? - 1744, в России с 1716 по 1744 г.). Барокко в пластике и проблемы скульптурного портрета. Бюсты Петра I (1723-1729, ), А.Д. Меншикова (1716-1717, ). Монументальные произведения Растрелли: памятник Петру I (1720-1724, отлит в 1745-1746) и скульптурная группа "Анна Иоанновна с арапчонком" (1741, ). Проект Триумфального столпа в честь Петра I и Северной войны (1720-е гг., ).

2.Давид Жак Луи

(1748-1825 гг.), французский живописец, выдающийся представитель неоклассицизма. Учился у Буше, начинал работать в стиле рококо, но после учёбы в Риме (1775-1780 гг.) и под влиянием искусства Древнего Рима Давид выработал строгую эпическую манеру. Вернувшись во Францию, Давид оказался во главе течения, ставшего реакцией на "вольности" рококо и стремившегося выразить героические свободолюбивые идеалы через образы античности, что оказалось весьма созвучно царившим во Франции того времени общественным настроениям. Создавал полотна, воспевавшие гражданственность, верность долгу, героизм, способность к самопожертвованию.

Билет №45

1. Возможность создания такого рода изображений появилась в России в «Век Просвещения».

Федор Степанович Рокотов (1735-1808) – выдающийся мастер камерного портрета, т.е. погрудного изображения модели, где все внимание художника сосредоточено на лице портретируемого. Главное для Рокотова – показать внутренние переживания человека, его духовную исключительность. Рокотов был превосходным мастером женского портрета. Женские образы художника преисполнены чувства внутреннего достоинства и духовной красоты, они величественны и гуманны. Его творчеству были присущи поэтичность образов, тонкость живописных отношений, легкость и мягкость мазка. Его кисти принадлежат портреты Н.Е. и А.П. Струйских (1772, ГТГ), "Неизвестного в треуголке" (начало 1770-х, ГТГ), "Неизвестной в розовом платье" (1770-е гг. ГТГ).

можно отметить творчество Владимира Лукича Боровиковского (1757-1825), который являлся третьим из ведущих мастеров портрета второй половины восемнадцатого века. Его полотна выделяются подчеркнутой лиричностью, созерцательностью, вниманием к миру личных переживаний человека. Он написал такие картины, как "Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке" (1794, ГТГ) и "Портрет Д.А. Державиной" (181З, ГТГ), как отечественный вариант английского "портрета – прогулки". Сентиментализмом проникнуты женские образы художника – портреты М.И. Лопухиной (1797), Е.А. Нарышкиной (1799), Е.Г. Темкиной (1798, все в ГТГ). В композиции полотен большую роль художник отводил пейзажу.

На портретную живопись восемнадцатого века значительное влияние оказал современник Ф.С. Рокотова Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735-1822). Именно в творчестве Левицкого воплотилась самая суть российского века Просвещения, чей расцвет приходится на екатерининское царствование. в 1770 году пришел настоящий успех – за "Портрет А.Ф. Кокоринова" (1769), показанный на выставке Академии художеств, не обучавшийся в ней художник получил звание академика, а еще через год был приглашен вести портретный класс.

2. Джон Констебль является художником романтизма, который жил в 19 веке. Он сын зажиточного мельника (отцовская мельница несколько раз появляется на его полотнах), в 1799 поступил в Королевскую Академию в Лондоне, но основную школу прошел, самостоятельно работая на натуре. В этот период на него глубоко влияли работы Томаса Гейнсборо, Клода Лоррена, Якоба ван Рейсдаля.

Творчество

«Землей Констебла» стала долина реки Дедам в Саффолке. Его лучшие работы, включая знаменитые «Собор в Солсбери», «Белый конь», «Плотина в Дедаме», «Телега сена», связаны с этими местами и созданы в десятилетие зрелого творчества между 1815 и 1825 годом. В 1819 Констебл побывал в Венеции и Риме. Телега сена, 1821

В 1824 несколько его работ были выставлены в парижском Салоне, а «Телега сена» получила золотую медаль выставки. Так живопись Констебла повлияла на Делакруа, на Милле и других живописцев Барбизонской школы, во многом предвосхитив искания французских импрессионистов.

Годы создания картин и их названия

1821 "Повозка с сеном"

1825 "Скачущая лошадь"

1823 "Открытие моста Ватерлоо"

1835 "Ферма в долине"

Билет 46.

1 Английское искусство 18 века.

Изучение политического и экономического расцвета Англии в XVIII веке, его влияние на культурное развитие страны, которое имело оттенок умеренной демократизации. Развитие капитализма и философии повлияло на искусство и дало ему размышляющий характер(философия). В литературной стране - повествующее искусство. 18 век отмечен ярким расцветом английской живописи. В английской литературе 18 в. очень характерна в этом смысле фигура такого поборника буржуазной этики и морали, как Сэмюэль Ричардсон, отнюдь не отличавшегося воинственностью по отношению к дворянству (и совершенно не похожего в этом отношении на идеологов французской буржуазии). Именно в первую очередь к дворянству обращался он с проповедью буржуазных добродетелей, с призывом следовать этим добродетелям в своих популярных в свое время нравоучительных романах «Памела», «Кларисса Гарло», «Грандисон». В области живописи отметим, например, развитие в Англии на протяжении всего 18 в. картин особого рода, представляющих собой небольшие групповые портреты, где фигуры изображаются в интерьере или на фоне пейзажа и в которые введен определенный сюжетный мотив — занятия музыкой, танцами, охота, прогулка, а чаще всего семейные беседы (почему, вероятно, их и называют «conversation pieces», то есть «разговорные сцены»). В этих своеобразных композициях, отражающих специфические особенности быта высших слоев английского общества того времени, совмещаются черты, свойственные буржуазному бытовому жанру голландцев, а с другой стороны — галантным сценам французского рококо. Во второй половине 18 в. много примеров такого сближения дворянских и буржуазных вкусов дают архитектура и декоративно-прикладное искусство. Представления о значительном и прекрасном, воплощенные Рейнольдсом в его лучших портретах или Гейнсборо в его полных лиризма портретных и пейзажных полотнах, в сущности, также идут вразрез и с ограниченным буржуазным здравым смыслом, мещанской моралью и с кастовыми аристократическими предрассудками. Так в 18 в. в самых ярких явлениях английской литературы и искусства наметились две передовые художественные концепции, которые разовьются в 19 в. в искусстве многих стран,— критический реализм и прогрессивный романтизм.

2.веницианов

А. Г. Венецианов (1780-1847). русский живописец, мастер жанровых сцен из крестьянской жизни, педагог, член Петербургской академии художеств, основатель так называемой венециановской школы. Венецианов отказался от работы в области портрета ради бытового жанра. Он поэтически передавал сцены деревенской жизни и крестьянского труда. В основу своего творческого метода он положил изучение действительности - "ничего не изображать иначе, чем в натуре является" и работать "без примеси манеры какого-либо художника". Вместо идеализированных представителей народа, то героических, то сентиментальных, в русской живописи появились образы, основанные на внимательном и любовном изучении русского крестьянства.

Гадание. Знахарка. На пашне-весна. жнецы

Билет 47.

1.Французское искусство первой половины 19 века. Направления и представители

Три французские школы живописи

Взгляды тогдашнего общества, под влиянием энциклопедистов, изменились, и главное, что стало занимать его, были серьезная история и вопросы лучшего устройства социальной жизни. Дух того времени отразился в работах Ж.-М. Вина и Ж.-Ф. Пейрона, явившихся подготовителями и предшественниками живописцев новой художественной эпохи, наступившей в конце XVIII века. В эту эпоху, три направления идей, исходивших каждое из особого источника, давали материал и содержание для французской живописи и породили три школы.

Классическая школа

Первая, так называемая «классическая» школа существовала приблизительно с 1780 по 1860 гг. Основателем ее был Жак Луи Давид, а продолжателями Гро, Герен, Жерар, Жироде-Триозон и Летьер; немного изменилась она при Энгре и окончилась с его последним учеником, И. Фландреном. Исходной ее точкой была природа, но рассматриваемая не просто, а сквозь призму античных и подражающих античным новейших мастеров. Классическая древность, больше римская, чем греческая, и итальянское Возрождение, особенно флорентийское и римское, были областью, в которой эта школа вращалась; библейская история, легенды героической эпохи и христианства были ее любимыми сюжетами. Пьер Поль Прюдон, хотя и образовался не в классической школе, однако близок к ней в своих картинах, напоминающих грацию, игру светотени и законченность Корреджо. Само собой разумеется, что важнейшие произведения классиков относились к исторической живописи, как к главной с точки зрения академии и ею поощряемой. Другие отрасли живописи были культивируемы в школе весьма умеренно; из художников, занимавшихся этими отраслями, выдаются жанристы Шарль Верне и Т. Жерико, пейзажисты Тонне и Демарн, живописец животных Браскасса и живописцы цветов Редуте и Сен-Жан.

Романтическая школа

Вторая школа, известная под названием «романтической», не пережила поколения, видевшего ее возникновение, а именно существовала всего с 1828 по 1858 гг. Выдвинули ее вперед англичанин Боннингтон, голландец Ари-Шеффер, Эжен Делакруа и Поль Деларош, но вместе с ними же она сошла со сцены. И для этой школы точкой отправления служила природа, но подчиненная всецело индивидуальному воззрению художника и потому отражающая в себе произвол его фантазии. В начале романтическая школа почерпала для себя сюжеты только из истории и быта средних веков, но потом стала обращаться за ними также и к жизни последних трех столетий, причем главной своей задачей считала соблюдение археологической точности в изображении малейших деталей. Пренебрегая академическим рисованием с натуры, романтики тем усерднее пустились изучать историю костюмов и превратили историческую живопись в пояснительное иллюстрирование повествований о былых временах и произведений старинных и новейших поэтов. Классицизм впадал в холодную красоту форм и в фарфоровую гладкость и бессилие прозрачных красок; романтизм страдал другими недостатками — поразительной странностью выбора сюжетов, пастозностью и небрежностью техники, которые привели его к падению. В противоположность историческому роду живописи, прочие ее отрасли достигли в романтической школе небывалой важности и надолго завоевали себе расположение публики. Леополь Робер, Декан, Камиль Рокплан, Эжен Изабе, Тони-Жоанно, Диаз, Эжен Лами и др. с большим успехом трудились по части исторического жанра, и некоторые из них превосходно писали также пейзажи, морские виды и картины с животными. Орас Верне, И. Белланже, Шарле и Раффе составили себе громкую известность изображением сражений и вообще военной жизни. Энергично исполненные, нередко весьма поэтичные пейзажи Каба, Т. Руссо, Марилья, Гюе и Жюля Дюпре оттесняют на второй план стилизованные и идеализированные произведения «исторических» пейзажистов, хотя в числе этих последних еще встречались такие таланты, как А. Десгоф, Алиньи, Виктор и Эдуард Бертены. Живопись морских и приморских видов удачно возделывали Гюден, Гарнере и Лепуатевен

2. Творчество Рокотова

Фёдор Степанович Рокотов — один из лучших русских портретистов.

Получал множество заказов. Порой он создавал целые галереи портретов представителей одного рода в различных его поколениях. Рокотов так великолепно передавал характер портретируемых еще и потому, что он поддерживал дружеские связи не только с главами семейств, но и со всеми домочадцами. Рокотов не стремился подчеркивать внешние достоинства своих моделей — яркость и красоту лиц, пышность нарядов, напротив, его привлекал внутренний мир человека, личность и обаяние натуры, зыбкость и переменчивость затаенных чувств и переживаний. Женские портреты кисти Рокотова загадочны и трепетны. В них «души изменчивой приметы» освещают лица и взгляды изнутри. Словно чарующее волшебное видение возникает из дымки жемчужно-розовых тонов исполненная непреходящей красоты юности В. Н. Суровцева; из серебристого каскада пенных кружев, как туманная мечта — П. Н. Ланская. Неуловимая мимика лица и взгляд удлиненных темно-голубых глаз создают какую-то отчужденность между зрителем и портретным изображением княгини Е. Н. Орловой.Таинственные полулыбки героинь рокотовских портретов, их загадочные, удивлённые или слегка прищуренные глаза, легкая живописная дымка («сфуммато»), сливающаяся с фоном изображения, из которого выступают неясные очертания пудреных париков и закутанных в атлас плеч, стали отличительными чертами манеры художника, по которой его произведения узнавались и современниками, и нынешним поколением любителей искусства. Женские портреты Рокотова имеют часто овальную форму, и это тоже придает им особое изящество и романтичность.

Билет 48

1.русское ис-во 1й половины 19в.

На первую половину ХIХ века в России пришлось бурное развитие живописи. На первый план вышли сразу несколько направлений. Прежде всего, это был классицизм. Это было своего рода «официальное» направление в русском искусстве, развитое в работах Ф.А. Бруни, И.П. Мартоса, Ф.И.Толстого. Начало XIX в. в русской живописи стало временем появления такого направления, как романтизм. Именно под его влиянием русская живопись начинает потихоньку отходить от классицистических эстетических законов. Однако русский романтизм получил гораздо большее развитие в литературе, нежели в живописи, и поэтому его стилевые черты определяют менее отчетливо. Прежде всего, художники интересуются наблюдением натуры и реальному ее отображению. Это наиболее полно реализовалось в пейзажах, написанных в эпоху романтизма. В данном случае в пейзажах присутствуют бытовые мотивы. Одним из представителей этого направления был А.Г. Венецианов. Ему принадлежит идея создания школы живописи, которая была бы независимой от Академии художеств. Параллельно с развитием сельской пейзажной живописи происходит становление жанра провинциального романтического пейзажа. Примерно с середины ХIХ века все сильнее начинает ощущаться влияние реализма. Это отразилось и в работах пейзажистов. Очень показательны в этом смысле работы А. Иванова. Ему принадлежит создание нового способа цветового решения, который позволил художникам по-новому изображать окружающую реальность. Еще одним течением в рамках романтического направления в живописи был маринизм. Его родоначальников был И.К. Айвазовский. С 40-х годов XIX в. в русской живописи зарождается реализм, основоположником которого стал В.П. Федотов.Русский реалистический пейзаж прошел в своем развитии несколько этапов. Первый начался в 1851 году, когда на ученической выставке в Московском Училище Живописи и Ваяния появились пейзажи Солова, картин Саврасова и Аммона. Кроме них, активно начинают выставляться Герц, Бочаров, Дубровин и др. Среди достижений первого периода следует упомянуть картины Саврасова «Пейзаж с рыбаком» и «Уборка хлеба».

С. Щедрин, М. Лебедев

2.творчество Буше.

18в. французский живописец, гравёр, декоратор. Яркий представитель художественной культуры рококо.

Самым знаменитым художником рококо был Франсуа Буше, который, помимо живописи, работал во всех видах декоративного и прикладного искусства: он создавал картоны для шпалер, рисунки для севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и декоративные росписи. Живопись Буше в полной мере отразила декоративные принципы искусства его времени. Буше в начале творческого пути испытал влияние Антуана Ватто (гравировал картины художника), в дальнейшем писал плафоны, панно, картины с мифологическими, пасторальными, жанровыми сценами, нарядно-кокетливые портреты, идиллические пейзажи, выдержанные в мягких серебристо-зеленых тонах (“Пейзаж в окрестностях Бовэ”, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Одним из любимых жанров живописи рококо были пасторальные мотивы, сюжеты которых художники находили прежде всего в античной мифологии. Связывая композиции с решением интерьеров рококо, художник предпочитал светлый колорит, строившийся на розово-красных, белых и нежно-голубых тонах. Не лишенный наблюдательности, о чем говорят его рисунки и жанровые картины, Буше не стремился к правдивости образов, обычно в его трактовке чувственно-идеализированных и однообразных. Ко времени расцвета творчества Буше относится “Туалет Венеры». Во второй половине 50-х годов 18 столетия творчество Буше стало чересчур отвлеченным и холодным, живопись жесткой, в композициях проявился ложный пафос. Творческий кризис Буше отражает деградацию стиля рококо, вызванную общим упадком аристократической культуры.

Леда и зевс в образе лебедя.венера в кузнице.

Билет №49

1.французское ис-во 2й половине 19в.импрессионизм.постимпрессионизм.

В эпоху Возрождения живописцы венецианской школы пытались передать живую реальность, используя яркие краски и промежуточные тона. Их опытами воспользовались испанцы, наиболее отчётливо это выражено у таких художников как Эль Греко, Веласкес и Гойя, чьё творчество впоследствии оказало серьёзное влияние на Мане и Ренуара.

В это же время Рубенс делает тени на своих полотнах цветными, используя прозрачные промежуточные оттенки. По наблюдению Делакруа, Рубенс отображал свет при помощи тонких, изысканных тонов, а тени — более теплыми и насыщенными цветами, передавая эффект светотени. Рубенс не использовал чёрный цвет, что позднее станет одним из основных принципов живописи импрессионистов.

На Эдуарда Мане влияние оказал нидерландский художник Франс Халс, писавший резкими мазками и любивший контраст ярких красок и чёрного цвета.

Переход живописи к импрессионизму также подготовили английские живописцы.

Сильное воздействие оказал Эжен Делакруа, он уже различал локальный цвет и цвет, приобретаемый под воздействием освещения, его акварели позволяют говорить о нём как о предшественнике импрессионистов. Вибрация на полотнах импрессионистов, достигаемая за счёт подрагивающих переливающихся мазков, - это удивительная находка, подсказанная им Делакруа, который, будучи одержим идеей передачи движения, в бесстрастном неистовстве романтизма не удовлетворялся быстрыми движениям и насыщенными красками, а клал вибрирующие мазки.

Последним элементом, который повлиял на новаторов, стало японское искусство. С 1854 года благодаря прошедшим в Париже выставкам молодые художники открывают для себя мастеров японской гравюры таких как Утамаро, Хокусай и Хиросиге. Особое, неизвестное доселе в европейском изобразительном искусстве, расположение изображения на листе бумаге — смещённая композиция или композиция с наклоном, схематическая передача формы, склонность к художественному синтезу, завоевали расположение импрессионистов и их последователей.

Импрессионизм — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

Французский импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм сосредоточивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении, или угле зрения.

Как и искусство ренессанса (Возрождение), импрессионизм строится на особенностях и навыках восприятия перспективы. Вместе с тем ренессансное виденье взрывается доказанной субъективностью и относительностью человеческого восприятия, которое делает цвет и форму автономными составляющими образа. Для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, но важно как изображено.

Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не нарушали общественные проблемы, обходили и такие проблемы как голод, болезни, смерть. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов.

Эль Греко, Веласкес, Гойя, Мане и Ренуар.

Постимпрессиони́зм — направление в изобразительном искусстве. Возникло в 80-х годах XIX века. Художники этого направления не придерживались только зрительных впечатлений, а стремились свободно и обобщенно передавать материальность мира, прибегали к декоративной стилизации. К выдающимся представителям постимпрессионизма в живописи относятся Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Поль Сезанн, Тулуз-Лотрек.

Начало постимпрессионизма приходится на кризис импрессионизма в конце XIX века. Постимпрессионисты, многие из которых ранее примыкали к импрессионизму, начали искать методы выражения не только сиюминутного и приходящего — каждого мгновения, они стали осмысливать длительные состояния окружающего мира.

2.Т-во Веласкеса.

Севильский период

Ранние полотна севильского периода в основном были созданы в жанре бодегонов (трактир). В основном это были натюрморты, кухонные сцены, трактирные зарисовки.

Прежде всего в них ощущается внимательное изучение молодым Веласкесом караваджистского искусства. А также долгое пребывание в мастерской Пачеко: работа с натуры, тщательность рисунка, точность сходства с моделью.

В мадридский период мастерство художника совершенствуется. Он обращается к редким для испанской живописи античным сюжетам («Триумф Вакха, или Пьяницы», 1628—1629, «Кузница Вулкана», 1630), а также историческим — «Сдача Бреды» (1634).

Портреты, созданные Веласкесом в 1630—1640 годах, принесли ему заслуженную славу мастера этого жанра. Хотя в портретах Веласкеса обычно отсутствуют жесты и движение, они необычайно реалистичны и естественны. Фон подобран так, чтобы максимально оттенять фигуру, цветовая гамма строгая, но оживляется тщательно подобранными сочетаниями цветов. Веласкесу удавалось в портрете передать характер человека, показать противоречивость черт его характера.

Наиболее известны портреты дона Хуана Матеоса (1632), генерала Оливареса (1633), конный портрет короля Филиппа III (1635), папы Иннокентия X (1648), а также серия портретов карликов и шутов (Los truhanes).

Портретам позднего периода творчества Веласкеса в большой степени свойственен артистизм и психологическая завершённость (инфанта Мария Тереза, 1651; Филипп IV, 1655—1656; инфанта Маргарита Австрийская, около 1660).

Билет 50

1.русское искусство 2й половины 19в. Передвижники.

Искусство второй половины XIX века представлено двумя крупными направлениями художествненной жизни того времени - академическим и передвижническим.

Здания второй половины XIX в. содержат черты, восходящие к древнерусской архитектуре, орнаменты, заимствованные из народной вышивки или воспроизводящие в камне резьбу по дереву... В большинстве случаев всё это не связано с функцией и конструкцией сооружения и выглядит искусственно.

Искусство передвижников было выражением революционно-демократических идей в отечественной художественной культуре второй половины XIX в. Бытовой жанр в лучших произведениях передвижников лишен всякой анекдотичности. Социальная направленность и высокая гражданственность идеи выделяют его в европейской жанровой живописи XIX в.

В живописи воплотились романтические идеалы эпохи национального подъема. Отвергнув строгие, не допускающие отступлений принципы классицизма, художники открыли много-образие и неповторимость окружающего мира. Это не только отразилось в привычных уже жанрах – портрете и пейзаже, - но и дало толчок к рождению бытовой картины, которая оказалась в центре внимания мастеров второй половины столетия. Пока же первенство оставалось за историческим жанром. Он был последним прибежищем классицизма, однако и здесь за формально классицисстическим «фасадом» скрывались романтические идеи и темы.

Романтизм - (франц. romantisme), идейное и художественное направление в европейской и американской духовной культуре конца 18 - 1-й пол. 19 вв. Отразив разочарование в итогах Французской революции конца 18 в., в идеологии Просвещения и общественном прогрессе. Романтизм противопоставил утилитаризму и нивелированию личности устремленность к безграничной свободе и «бесконечному», жажду совершенства и обновления, пафос личной и гражданской независимости. Мучительный разлад идеала и социальной действительности - основа романтического мировосприятия и искусства. Утверждение самоценности духовно-творческой жизни личности, изображение сильных страстей, изображение сильных страстей, одухотворенной и целительной природы, у многих романтиков - героики протеста или борьбы соседствуют с мотивами «мировой скорби», «мирового зла», «ночной» стороны души, облекающимися в формы иронии, гротеска поэтику двоемирия. Интерес к национальному прошлому (нередко - его идеализация), традициям фольклора и культуры своего и других народов, стремление создать универсальную картину мира (прежде всего истории и литературы), идея синтеза искусств нашли выражение в идеологии и практике Романтизма.

2.творчество рубенса.

Рубенс никогда не стеснялся подражать тем из предшественников, которые восхищали его, и особенно Тициану с Брейгелем. Первое десятилетие его творчества представляет картину трудолюбивого и методичного освоения достижений художников XVI века. Благодаря такому подходу он освоил все жанры ренессансной живописи и стал самым универсальным художником своего времени.

Композиционные решения Рубенса отличаются исключительным разнообразием (диагональ, эллипс, спираль), богатство его красок и жестов никогда не перестаёт удивлять. Вполне соответствуют этой жизненности и грузные женские формы, так называемые «рубенсовские», которые могут оттолкнуть современного зрителя своей несколько тяжеловесной телесностью.

В 1610-е гг. Рубенс разрабатывает новые для фламандской живописи формы, в частности, жанр охотничьих сцен, которые проникнуты страстной динамикой зрелого барокко («Охота на крокодила и гиппопотама»). В этих работах вихрь композиционного движения сносит ограничения, традиционно налагаемые на художников линией и формой.

Рубенсовские мазки поражают смелостью и свободой, хотя при всей широте их он никогда не впадает в пастозность. Его непревзойдённое искусство владения кистью очевидно и в многометровых композициях 1620-х годов, и в точных, лёгких, подвижных мазках небольших работ последнего период