13. Социально-культурный контекст развития импрессионизма. Импрессионизм в живописи (э. Мане, к. Моне, о. Ренуар, э. Дега), скульптуре (о. Роден), музыке (к. Дебюсси, м. Равель).

Импрессионизм – впечатление. Импрессионизм – довольно молодое направление в живописи, возникшее в последней трети 19 века. Его основоположниками являются французские художники Э.Мане, Э.Дега, О.Ренуар, К.Моне, Писсаро, Сислей. Через непонимание и насмешки современников они пробивали себе дорогу к признанию, преодолевая яростное сопротивление академизма. И подарили миру свои светлые картины, полные любви к жизни и окружающему миру. В 1874 г. на выставке картин, которую французские живописцы организовали в мастерской фотографа Надара, Клод Моне представил свою работу - пейзаж «Впечатление, Восход солнца», написанный маслом. По-французски «впечатление» звучит как impression. Ныне эта картина, давшая название этому течению в живописи, хранится в парижском Музее Мармоттан-Моне.

Импрессионизм не возник на пустом месте. Его художественные приемы, средства и философия прослеживаются в творениях великих испанцев Рубенса, Эль-Греко, Веласкеса и Гойи, знаменитых английских пейзажистов Тернера и Констебла. Импрессионисты испытали на себе все очарование изящной японской гравюры и живописи. Страна Восходящего солнца, став более открытой, познакомила мир со своим трогательным искусством. В картинах импрессионистов сплелись воедино романтизм, классицизм, реализм, поданные иными выразительными средствами – светлыми красками, зыбкими мазками, солнечным настроением, обилием воздуха и ветра – ветра перемен. Мир, который художники-импрессионисты сумели увидеть в более изменчивом и солнечном ракурсе, чем это было принято до них, принял их крайне неохотно, даже враждебно. Многие живописцы испытывали финансовые трудности и нужду. Но это не останавливало тех, кто писал свои картины на основе мимолетных впечатлений и восхищения сиюминутной красотой неба, леса, моря и людей.

В 1839 г. произошло еще одно важное событие – парижским химиком Мишелем Эженом Шеврёлем были опубликованы результаты исследования о том, как глаз человека воспринимает разные цвета. Ему удалось выявить три основных цвета (красный, желтый и синий), которые при смешении дают все иные цвета. Так художники получили визуально оформленную в виде цветового круга систему смешивания красок.

В 1863 году в ситуацию решил вмешаться император Наполеон III, когда узнал, сколько картин разных художников отклонило непреклонное, в своем академизме, жюри. Монарх поддержал альтернативную выставку, устроенную художниками, не прошедшими отбор. Она получила символическое название «Салон отверженных». Мудрое решение императора Франции позволило зрителю увидеть и сопоставить картины, пропущенные жюри официального Салона и отклоненные им.

Клод Моне. Моне стал практиковать новую технику нанесения цветов на холст – он не смешивает цвета на палитре, как это делали художники прошлых лет, предпочитая наносить чистые колеры, позволяя глазу зрителя самостоятельно смешать краски, глядя на законченную работу.

В 1872 году Клод Моне создал легендарную картину – «Впечатление. Восход солнца». Уникальность её не только в технике и цветовом решении, но и в том, что этот полотно дало название целому направлению. С этого момента весь мир будет знать, если на полотне преобладают мелкие мазки локальными цветами, отсутствует линия, а пространство наполнено светом – это импрессионизм, с французского «впечатление».

Легендарная работа явилась стартом успеха художника, за ней последуют лучшие его работы – «Поле маков у Аржантёя», «Бульвар Капуцинок», «Вокзал Сен-Лазар» и др. Работа приносила удовлетворение, хотя публика не всегда встречала картины мастера с восторгом

Эдуард Мане. Яркие картины. Первые успехи Мане были связаны с картинами «Портрет родителей», где автор показал филигранную игру света и оттенков, и «Гитарреро», живой энергичной картиной, написанной под воздействием концерта гитариста Уэрта. Обе работы были приняты в Салон.

В 1862 году Мане под влиянием философии Бодлера создаёт своё первое крупное произведение – «Музыка в Тюильри», целью которой стала попытка с помощью средств выразительности изобразительного искусства претворить в жизнь искусство музыкальное – этакие звучащие краски.

В том же году автор увлекается написанием портретов, заведя новое правило – написать натурщицу всего за один сеанс. Мане полагал, что только такая быстрая работа позволит ухватить мгновение, отобразив самое главное. Портреты Мане были приняты публикой с большим воодушевлением. Во всём творчестве Мане особняком стоят картины, которые были в своё время жёстко раскритикованы – столько откровенен был их сюжет и воплощение, однако, именно этим работы, непонятные современниками, сегодня считаются истинными шедеврами, внёсшими новое слово в мировое искусство. К числу таких картин относится «Завтрак на траве», где импозантные кавалеры находятся в обществе обнажённых дев, «Олимпия», чья откровенность настолько раздражала публику, что устроителям выставки пришлось повесить картину как можно выше, опасаясь, что её проткнут в негодовании тростью или зонтом.

Эдгар Дега. Признанный мастер изображения фигуры человека в движении. Отличительной чертой живописца была любовь к городу. В то время как другие импрессионисты внимательно разглядывали природу, Дега путешествовал по городу, запечатлевая в своей памяти его суетливый мир и яркие картинки, которые он переносил на свои полотна. Теперь Дега очень берёг себя – старался не перетруждаться, редко выходил днём на улицу, рисуя, главным образом, после заката, за что и получил прозвище «первый импрессионист ночи». Поменялась и манера мастера – теперь это более острое восприятие, динамизм, большая роль цвета, упрощённый рисунок. Одной из выдающихся работ того времени является картина «Абсент».

Вынужденный творить ночью при газовом освещении, Дега открывает для себя новую главу – кафешантаны. Певицы, танцовщицы, хмельные гости, разгульная раскрепощённая атмосфера нашли в полотнах живописца удивительно эстетичное претворение. Нельзя не восхититься такими работами мастера, как «Концерт в кафе», «Певица с перчаткой», «Амбассадор». Тяжёлый кропотливый труд танцовщиц и музыкантов, который претворяется на сцене невероятное великолепие, дарящее наслаждение зрителю – вот что всегда удивляло и восхищало художника. Первой знаковой работой на эту тему можно назвать «Оркестранты оперы», где автор изобразил своего друга-фаготиста Дезира Дио. Но среди всех балетных изображений автора, по праву лучшей считается картина «Голубые танцовщицы», где помимо необычного ракурса, суетливой динамики, настроения перед выступлением, автору удалось непостижимым образом передать искусственное освещение, так живописно играющее на платьях и плечах танцовщиц.

Ещё одной сюжетной страстью Дега были лошади и собственно скачки. Автор создал множество произведений на данную тему отличных друг от друга и по драматизму, и по содержанию («Проездка скаковых лошадей», «Упавший жокей», «Жокеи-любители» и др.).

Огромное количество произведений Дега посвящены модисткам и женскому туалету, где автор также отказывается от изящных поз в угоду реальности и правдивости. В последние годы жизни Дега занимался «ремеслом слепого» (со слов самого Дега) – лепил скульптуры. Потеряв зрение, мастер оставил кисти и холст, занимаясь лепкой. Его произведения были небольшого размера и не предназначались для публики, именно поэтому большинство из скульптур не было закончено.

Огюст Ренуар. Французский художник, признанный мастер женского портрета. Можно сказать, что Ренуар очень рано уразумел свою индивидуальность и составил личный взгляд на искусство в целом, который заключался в желании дарить публике радость посредством живописи, нести свет и красоту, в ущерб морализаторским и назидательным поучениям. На протяжении всего творчества его работы излучали оптимизм.

Если классическое искусство представляла вещи слишком идеальными, то Ренуар выступал за максимальную передачу естественности и реальности, где колоссальное значение играл свет, воздух, сиюминутность, спонтанность и колористическое решение. Переходной работой у Ренуара в его импрессионистском периоде является картина «Новый мост», где сюжет с тщательно выстроенной перспективой и точными архитектурными деталями представлен зрителю через размытую призму воздуха, расплавленного на солнце, благодаря чему, всю линии лишены чёткости, а фигуры определённости.

В 1874 году Ренуар часто посещает Аржантёе, где живёт Моне – вместе они пишут на пленэре, работают в эскизной манере, уделяя особое внимание Сене как сюжету. Это совместное творчество окажет значительное влияние на творчество обоих художников.

Кроме богатых пейзажей и бульварных просторов, импрессионистов неизменно влёк театр с его многочисленными образами, сюжетами, разномастной публикой, и Ренуар не был исключением. Картины «Ложа», «Танцовщица», «Парижанка» явились прекрасным примером работы мастера в театральных и притеатральных декорациях.

Ещё одна яркая страница в творчестве мастера была перевернута в 1875 году, когда на свет появились полотна, демонстрирующие единение человека и природы – «Обнажённая в солнечном свете» и «Обнажённая». Картины отличают непревзойдённая гармония, наполненная светом, играющим на нежной коже моделей.

Необходимо отметить, что все эти поиски, приведшие к созданию поистине великих картин, не приносили денежного довольствия – импрессионизм отвергался публикой, и поэтому верному стилю Ренуару приходилось туго. Однако уже тогда его популярностью пользовались портреты, и именно они приносили доход. Так появились прекрасные работы «Портреты Жанны Самари», «Портрет мадам Шарпантье с детьми», «Девушка с веером», «Портрет Альфонсины Фурне» и др.

Огюст Роден. Наиболее близок к импрессионистам. в некоторых работах (1840— 1917)—своим стремлением передать мгновенное в выражении человеческого лица или в позе человека в противовес синтетическому образу, подчеркивающему «извечное» у старых классических мастеров. Именно поиск временного, изменчивого в человеке, стремление воплотить в статическом искусстве всю трепетность жизни, а также новаторский характер моделировки вызвали бурю негодования общественности, когда в 1878 г. Роден впервые экспонировал сначала в Брюсселе, а затем в Париже свою скульптуру «Бронзовый век». С этого момента все выставляемые на суд публики произведения Родена будут поводом к полемике. Сурово будут встречены и его «Мыслитель», «Ева», «Адам», «Блудный сын», «Мучение» и многие другие работы, рельефы для дверей Музея декоративных искусств, получившие название «Врата ада» —так и не законченное произведение, в котором, по справедливому замечанию многих исследователей, как бы смешались грандиозные видения Микеланджело и Синьорелли с острым современным чувством тоски и одиночества, а в эпическое величие Дантовой «Божественной комедии» привнесены муки бодлеровских «Цветов зла». Роден, несомненно, был художником-новатором. Так, в «Гражданах Кале» он решил поставить всю скульптурную группу прямо на мостовую без постамента. Но оказалось, что это лишило памятник необходимой для подобного произведения монументальности и героизации. Как большой художник Роден чутко уловил свой просчет и отказался от первоначального замысла.

Роден много и успешно занимался и жанром портрета. Портреты Родена разнообразны по характеристике, в них всегда подчеркнута одна главная черта модели: изящный артистичный Далу (1883), ироничный Рошфор (1897), полный творческого огня, темпераментный Гюго (1897).

В течение своей долгой жизни Роден, восхищаясь молодостью и красотой влюбленных, много раз повторял темы вечной весны, ускользающей любви, поцелуя. Движение для Родена было основной формой выражения жизни в скульптуре, он был страстно влюблен в танец, увлекался смелой современной хореографией, и отсюда его этюды, посвященные Айседоре Дункан и Нижинскому, знаменитое бронзовое (любимый материал Родена) «Па-де-де» (1908).

В 1891 г. общество литераторов, президентом которого был Эмиль Золя, заказало Родену статую Бальзака. Скульптор выполнил в процессе работы 22 этюда головы, 7 —фигуры, 16 —одежды и завершил произведение в 1897 г. Оно вызвало бурю негодования своей необычностью трактовки, подчеркнутой физиологичностью. Скульптора обвиняли в патологии, в том, что он обрядил великого писателя «в смирительную рубашку».

Несмотря на справедливость некоторых упреков Родену —то в привкусе натурализма, то в модернистской стилизации,—нельзя не признать его потрясающего умения выразить напряженные внутренние движения, подчинить пластическую форму определенному психическому переживанию. Влияние Родена на современников было огромно.

Клод Дебюсси (1862—1918) — основоположник музыкального импрессионизма. Он воплотил в музыке мимолетные впечатления, тончайшие оттенки человеческих эмоций и явлений природы. Современники считали своего рода манифестом музыкального импрессионизма прелюдию к "Послеполуденному отдыху фавна". Здесь проявилась зыбкость настроений, утонченность, изысканность, прихотливость мелодики, колористичность гармонии. Одно из наиболее значительных произведений Дебюсси — опера "Пеллеас и Мелизанда" по драме М. Метерлинка. Композитор создает сущность неясного, символически-туманного поэтического текста. Самое крупное симфоническое произведение Дебюсси — три симфонических эскиза "Море". В последующие годы в сочинениях Дебюсси проявились черты неоклассицизма. Продолжил и развил искания Дебюсси в области импрессионистической музыки французский композитор и пианист Морис Равель (1875—1937). Его работам присущи чувственность, экзотическая гармоничность и великолепные оркестровые эффекты (балет "Дафнис и Хлоя", болеро для оркестра). Позднее, в 80—90-е гг., идеи импрессионизма и отчасти его творческие приемы нашли свое выражение и во французской музыке. Два композитора — К. Дебюсси и М. Равель — наиболее ярко представляют течение импрессионизма в музыке. В их фортепьянных и оркестровых пьесах-эскизах с особой гармонической и ладовой новизной выражены ощущения, вызванные созерцанием природы. Шум морского прибоя, плеск ручья, шелест леса, утренний щебет птиц сливаются в их произведениях с глубоко личными переживаниями музыканта-поэта, влюбленного в красоту окружающего мира. Оба они любили народную музыку — французскую, испанскую, восточную, любовались ее неповторимой красочностью.

Главное в музыкальном импрессионизме — передача настроений, приобретающих значение символов, тонких психологических нюансов, тяготение к поэтической пейзажной программности. Ему свойственны также рафинированная фантастика, поэтизация старины, экзотика, интерес к тембровой и гармонической красочности. С основной линией импрессионизма в живописи его роднит восторженное отношение к жизни; моменты острых конфликтов, социальных противоречий в нём обходятся. Зачинателем музыкального импрессионизма по праву считается Дебюсси, обогативший все стороны современного композиторского мастерства — мелодику, гармонию, оркестровку, форму. Его новаторские опыты отчасти навеяны выдающимися открытиями русских композиторов-реалистов, в первую очередь М. П. Мусоргского. В то же время он воспринял идеи новой французской живописи и символистской поэзии. Дебюсси написал множество фортепьянных и вокальных миниатюр, несколько пьес для камерных ансамблей, три балета, лирическую оперу «Пеллеас и Мели-занда». Творчество композиторов-импрессионистов во многом обогатило выразительные средства музыки, особенно сферу гармонии, достигшей большой красоты и утончённости; усложнение аккордовых комплексов сочетается в ней с упрощением и архаизацией ладового мышления; в оркестровке преобладают чистые краски, капризные блики, ритмы зыбки и неуловимы. Красочность ладогармонических и тембровых средств выдвигается на первый план: усиливается выразительное значение каждого звука, аккорда, раскрываются неизвестные ранее возможности расширения ладовой сферы. Особую свежесть музыке импрессионистов придавало их частое обращение к песенно-танцевальным жанрам, к элементам музыкального языка народов Востока, Испании, ранних форм негритянского джаза.

В творчестве Мориса Равеля (1875—1937) отразилась более поздняя эпоха. Рисунок его сочинений острее, резче, краски более четкие и контрастные — от трагического пафоса до язвительной иронии. Но и в его композиторской манере также встречается утонченная звукопись, сложная и пестрая игра красок, типичная для музыкального импрессионизма. В лучших фортепьянных пьесах Равеля господствует прихотливая переливчатость звуков, навеянных живой природой («Игра воды», «Печальные птицы», «Лодка среди океана»). Всю свою жизнь композитор разрабатывал мотивы любимой им Испании. Так появились «Испанская рапсодия» для оркестра, комическая опера «Испанский час», «Болеро».

Большое внимание Равель уделял жанрам танцевальной музыки. Среди нескольких его балетов выделяется балет-сказка «Дафнис и Хлоя», созданный им в сотрудничестве с русской труппой С. П. Дягилева. Равель хорошо знал секреты музыкального юмора, с любовью писал музыку для детей. Таковы его пьесы для фортепьяно «Матушка-гусыня», превращенные в балет, или опера «Дитя и волшебство», в которой забавно выступают в качестве персонажей Часы и Кушетка, Чашка и Чайник. В последние годы жизни Равель обратился к более современным, ритмически обостренным музыкальным средствам, в частности к интонациям джаза (соната для скрипки и фортепьяно, два концерта для фортепьяно).

Техника импрессионистическая – a’laprima .

Новаторство.

• Вышли на пленэр, создавали картины на открытом воздухе, повлияло на восприятие света и цвета. Эффект яркости, за счёт чистых спектральных цветов.

• Желание запечатлевать мгновение, передавать непосредственное ощущение от увиденного. Нет малозначимых сюжетов. Повод, что талант художника может любое явление превратить в художественную ценность.

• Художники тяготели к передаче переходных состояний, интересовало не статика, а динамика, привлекало утро, вечер, осень, весна, человек, который в динамике(танцы в кафе).

• Разрушали традиционную иерархию жанров, акцент на актуальность, злободневность, в центре непосредственное впечатление художника.

• В теорию восприятия цвета. Изменение, использование, правило разложение цветов, спектральных эффектов(сочетание цветов).

15. «Серебряный век» русской культуры. Парадигмы развития отечественной культуры на рубеже XIX – XX веков. Поэтические течения и художественные объединения в России начала века. «Русские сезоны» в Европе и их влияние на мировую культуру.

Культура России называют серебряным веком. Такое название по аналогии с Золотым Пушкинским веком. В текстах встречается образ серебра, лунного света. Название не имеет авторства, претенденты Бердяев, Маковский. Название российское. Длился 40 лет. Начинается с 1881 в этом году на открытие памятника Пушкину в Москве выступил Достоевский подвёл итог русской культуре 19 века и обозначил новые перспективы для её развития. Конец 1921 – Блок публикует статью о назначении поэта, итог рубежа веков. Россия жила насыщенной интеллигентной жизнью. Социально-историческое яркая переходность.

• От патриархального уклада к буржуазной капитал, от сельского к городскому, от общинному к индивидуальному.

• Рост НТП, внедрение технических новинок, крупное машинное производство, средства передвижения, телефон, телеграф, средства связи. темп жизни ускоряется

• Меняется социальная растановка сил. Растёт численность наёмных работников, пролетариат в Москве, Петербурге, восстание рабочих.

• Внутри сословий расслоение. Внутри каждого сословия своя элита и пролетариат. Из всех слоёв общества формируется новый слой крупные промышленники(Морозовы, Мамонтовы).

Создаётся особая культурная атмосфера, меняется мироощущение людей. 1)Особенности мироощущения:

• Пограничности, конфликт эпох, социально-исторические различия. С одной стороны культура закатная, завершился один исторический этап, культура открывает новые возможности, желание ответить на крайние вопросы человеческой жизни. Мощный интеллектуальный подъём. Бердяев «Серебряный век – эпоха русского религиозного ренессанса». Соловьёв – философ, поэт, теоретик символизма «Оправдание добра». Лосский «Условие абсолютного добра». Н.Бердяев – основополжник русского религиозного экзистенциализма, рассуждал о свободе «Душа России», «Истоки и смысл русского коммунизма».

Русский космизм – основоположник Фёдоров, мечтал о воскрешении всех людей на Земле. Сборник «Вехи» (1909) Бердяев, Булгаков, Струве. Сбормик полемический, читатели со многим не соглашались, сборник породил интеллектуальные движения.

2)Отказ от реалистического постижения действительности, в культуре нарастает субъективизм, большую роль играют философы, писатели. В творческой практике такой язык, который далёк от жизненного правдоподобия. Востребованы поэзия, музыка, танец. Взлёт поэзии. 3 направления: символизм, акмеизм, футуризм. Не замыкается в творчестве отдельных авторов. Объединены в группе, выступают с программными заявлениями.

• Символисты – истинное предназначение поэзии в том, чтобы выражать индивидуальные ощущения поэта посредством метафор, символов. Создают сложный язык. Брюсов, Мережковский, Блок,Белый.

• Акмеисты – назначении поэзии передавать красоту земного мира, превратить будничные явление в драгоценные. Язык на ярких образах, метафор. Гумилёв, Мандельштам, Ахматова(недолго).

• Футуристы – поэзия будущего, новый поэтический язык отражает нерв эпохи, поэзия говорит на языке улиц. Маяковский, Хлебников, Северянин, Бурлюк, Кручёный.

3).богоискательство, боготворчество. 2 периода серебряного века.

• С эпохи декаданса. Пессимизм¸разочарованность, сомнения, сильны богоборческие мотивы от творчества Достоевского.

• Начало XX века, поиск новых идей, которые объединяют и сплочают общество.

Гиппиус «мне нужен Бог, но не могу молиться». Актуальность богоискательской темы. Новая религия третьего Завета. В культуре ниспровергают прежние авторитеты, новые кумиры. В человеке с новой силой чувство личности, представление о достоинстве и ценностях человека. Очень много талантов. Появляются художественные объединения, исповедуют противоположное мнение. Мамонтовский(Абрамцевский) кружок – неформальное объединение, музыкальное, художественное, театральное(1872-1893). Устроены мастерские, ставились спектакли, частная опера. Туда входили художники: Серов, Репин, Коровин, Врубель, Васнецовы. Здесь синтез искусств. Савва Иванович Мамонтов – меценат. Большая семья – 9 братьев и сестёр. Мамонтовы построили посёлок для представителей искусства. Васнецовы в 1881 годы приехали в Абрамцево. Основное направление всех художников – интерес к русской истории, черпали из сказок, былин, преданий, православия. Врубель – основоположник русского синтетизма. Он из Киева, создаёт декорации к спектаклям. Картина «Царевна лебедь» - изобразил свою жену. Там же пишет картину «Демон». В.Поленов – писал картины, сочинял музыку. Построил храм Спаса-Нерукотворного. Елена Поленова – увлекалась русским искусством, создала музей крестьянских предметов быта, создала ремесленные мастерские. Гончарное мастерство, изготовление изразцов.

Объединение «мир искусства». В Петербурге 1898 года художник Бенуа и меценат С.П. Дягилев организовали выставку русских и финляндских художников. 1900-1904 – особо единение участников, объединение начало журнал «Мир искусства» «таланты всех стран объединяйтесь». Люди из старинных художественных семей Бакст, Лансаре, Билибин, Левитан, Сомов, Серов, Добужинский. После 1904 – утрата единения. Объединение на почве неприятия антикрасоты современного мира и предчувствие грядущих построений, желание противостоять изменчивости – вечное искусство. Независимость художников от политической доктрины, интерес к старине, великой эпохе. Они искали вдохновения в античности, средневековье, рококо. Художники были многогранны. Занимались графикой, иллюстрированием, эскизами костюмов. Бенуа – тема Петербурга, его история. Иллюстрации к «Медному всаднику», сочетание ярких и тёмных теней. Эпоха 18 века: дух театральности, мистификации, тема комедийных масок. Бакст – тема античности, греческие мифы, драматургия. Создание декоративных панно, русской истории, эскизы костюмов. Лансара – тема 18 века, рококо, русской истории. Самов – тема 18 века, галантный век. «Дама в голубом». Добужинский – городские пейзажи, серые виды.

В эту эпоху исчезают границы между жизнью и творчеством автора. Поэтов захватывает атмосфера игры. Сквозные мотивы театра, коломбины, маски, Арлекино, марионетки. Жизнь по театральным произведениям, характер мистификации. Театр объединяет разные виды творчества – музыку, живопись, на зрителя оказывает впечатление. Русские сезоны Дягилева в Европе. Он импресарио, арт-продюссер, организатор выставок русского искусства, концертов за рубежом с 1907-1929. Балеты Дягилева с 19051914 за сезон 3-4 новых спектакля, музыку писали Стравинский, Шаляпин. Спектакли: на сказочную тему «Жар-птица», «Петрушка»; романтические балеты: «Жизель», «Селфиды», «Видение Розы»; с восточно-экзотиескими: «Клеопатра», «Шахеризада». Искусство танца, танцовщицы: Фокин, Нежинский, Анна Павлова, Корсавина, Ида Рубенштейн. Были исторические концерты. Русская опера «Борис Годунов» с Шаляпиным, композиторы Скрябин, Рахманинов. Выставки исторической и современной живописи. «Страна, о которой мы так мало знаем, таит в себе целую сокровищницу красоты». Произведения Глинки, Мусоргского, Чайковского. Шаляпин в опере. Без Дягилева не было б русских опер, балетов.

Культура демократичнее. Немалую роль сыграл новый художественный стиль – модерн (современный). Использовали новые художественные средства, вдохновение искали в культуре прошлых эпох, призывали учиться у природы, стиль барокко. Представители Шехтель, Чарушин. Модерн в архитектуре. В Петербурге доходные дома, общественные здания, университеты, магазины, влечение декоров, криволинейные формы. (Здание на территории Васильевского острова). Московские усадьбы. Атмосфера уюта, увлечённость театром, эклектика. Церковь Спаса в Абрамцево. Шехтель (Ярославский вокзал, особняк Морозовой, особняк Рябушинских). Чарушин Дом Булычёва, здание 1 универсального магазина – сейчас школа искусств.