Искусство Западной Европы второй половины XIX века

Для Европы вторая половина XIX в. – время активных социальных преобразований и быстрого развития промышленности. Во Франции на смену республиканскому строю, установленному революцией 1848 г., пришла империя Наполеона III (1852-1870) Франко-прусская война 1870-1871 гг. и очередная революция 1870 г. привели к восстановлению буржуазной республики. В этот период Франция создала мощную банковско-финансовую систему, а присоединение новых колоний сделало ее второй после Англии колониальной державой. В Германии после австро-прусской войны 1866 г. главенствующее положение заняла Пруссия, что повлекло за собой объединение страны в 1871 г. в Германскую империю. На английский престол в 1837 г. взошла королева Виктория (1837-1901), и в могущественной Британской империи (ее колонии были в Индии, Центральной и Северной Америке, Африке и Австралии) началась эпоха, получившая название викторианской. В то время Англия стала ведущей промышленной страной.

Уже второй век подряд законодательницей мод и стиля жизни оставалась Франция. Она сохраняла первенство и в искусстве. Еще в 1667 г. французская Королевская академия живописи и скульптуры учредила большие официальные художественные выставки. Первоначально они проходили в Квадратном салоне Лувра, поэтому стали называться Салонами. Публика оживленно обсуждала работы художников, газеты и журналы печатали рецензии критиков. Французское зодчество после 1815 г. некоторое время следовало стилю ампир, но постепенно он утрачивает свои позиции. Архитекторы стремятся к обновлению выразительных средств.

Анри Лабруст (1801-1875) создает интерьер Библиотеки Святой Женевьевы с помощью ажурных металлических арок. В здании Национальной библиотеки применяет металлоконструкции, организуя большое светлое помещение. С помощью стеклянной стены он отделил читальный зал от книгохранилища. Наружный облик зданий Лабруст делает традиционным. Примером инженерного зодчества стала стальная башня высотой 300 м, спроектированная А.Г. Эйфелем (1832-1923) в 1889 г. для Всемирной выставки в Париже. В период Второй Империи развернулось обширное строительство. Префект Парижа барон осман начал перепланировку столицы Франции. От круглой площади Звезды Осман проложил дополнительно к пяти еще семь магистралей, обсадив их деревьями, расширил проезды внутренних и внешних бульваров, построил пять новых мостов через Сену. Одним из самых заметных в это время стало сооружение Шарлем Гарнье (1825-1898) Парижской Оперы с многочисленными ризалитами, портиками, куполами. Эклектичность декора и функциональность – две стороны сооружения Гарнье.

Англия лидировала в промышленной архитектуре, в строительстве и мостостроении широко применялись металлические конструкции и железобетон. В 1851 г. для Международной выставки в Лондоне Джозеф Пакстон (1801-1865) возвел Хрустальный дворец длиной 564 м с помощью легкого металлического каркаса. Пакстон создал проницаемый для света объем, устранив различие между внутренним и внешним пространством.

Новаторским характером отличался «Красный дом» в Кенте, построенный Филиппом Уэббом (1831-1915) для художника Уильяма Морриса. Простота, отказ от украшательства привели к созданию оригинального сооружения. В основу проекта зодчий положил тип английского деревенского коттеджа. Дом Морриса в плане был Г-образным. Окна имели различную форму, в некоторых стояли витражи. Интерьер дома оформил сам Моррис с друзьями – художниками из «Братства прерафаэлитов», основанного в 1848 г. Они сделали своими руками мебель, ковры, занавески, витражи и даже дверные ручки. Данте Габриэл Россетти написал триптих на темы стихотворений Данте Алигьери.

Идейным вдохновителем «Братства прерафаэлитов», в которое входили художники Х. Хант, Д.Г. Россетти, Д.Э. Миллес, Ф.М. Браун, был искусствовед и критик Джон Рескин (1819-1900). Он сориентировал художников на дорафаэлевскую итальянскую живопись. По мнению Рескина, искусство должно в силу своей апостольской миссии способствовать очищению и возвышению духовного начала в человеке. Прерафаэлиты не признавали официального искусства и обратились к технике треченто и кватроченто. Свои взгляды они изложили в манифесте, основные идеи его сводились к следующему: писать с натуры, максимально правдиво и в согласии с идеалами искусства дорафаэлевской эпохи. Им свойственны натурализм, стремление вернуть искусству естественность. В своем творчестве они часто обращались к библейским сюжетам, давая им свою оценку и трактовку.

Реализм в европейском искусстве

Реализм в широком смысле слова – метод художественного объективного и всестороннего отображения действительности в искусстве. Впервые термин «реализм» применительно к произведениям художественной культуры был использован французским литературным критиком Жаном Шанфлери для обозначения принципа искусства, противоположному романтизму. Формирование метода критического реализма совпадает с острым переломом в социально-политической жизни – подъемом рабочего движения.

Критика современного общества особой остроты достигла в живописи и особенно графике одного из совершеннейших рисовальщиков XIX в. Оноре Домье (1808-1878). Французская революция 1830 г. и расцвет литографии сделали Домье великим мастером. Домье, сотрудничая с журналами «Шаривари» и «Карикатюр», создает остро злободневные политические карикатуры. Вершиной этого периода творчества Домье стала большая литография «Улица Транснонен 14 апреля 1834 г.», конфискованная полицией. После запрета во Франции политической карикатуры в 1835 г. художник стал создавать серии гравюр – «День холостяка», «Парижские переживания». Новый расцвет творчества Домье приходится на конец 40-х гг., когда он создает замечательные по выразительности листы серий «Добрые буржуа», «Люди юстиции», «Синие чулки». Венцом политических карикатур Домье стала гравюра «Король Неаполя». Домье работает и как живописец («Дон Кихот», 1868 г.). Всего Домье исполнил около 4-х тысяч литографий.

Французское искусство середины XIX в. представлено Камилем Коро и художниками, получившими название барбизонцев (по названию деревни Барбизон). Жан-Батист Камиль Коро (1796-1875) создал более двух тысяч произведений, главная тема которых – природа. Композиция у Коро тщательно продумана, четко разработаны планы – «Шартрский собор» (1830 г.), «Гомер и пастухи» (1845 г.). В начале 50-х гг. в творчестве Коро происходит перелом: его привлекают переходные состояния природы, он варьирует один и тот же мотив («Порыв ветра», 1864 г.), создает жемчужно-серебристую гамму, добивается богатства оттенков. («Воз сена», 60-е гг.).

Во главе барбизонской школы стоял Теодор Руссо (1812-1867), в каждую свою работу вкладывавший огромный труд, много раз переписывавший один и тот же холст. Его излюбленные мотивы – равнины, дубрава («Аллея в лесу Л'Иль-Адам», 1849 г.). Главное достижение художника – умение передать настроение. К барбизонцам примыкал Жан-Франсуа Милле (1814-1875), подолгу живший в окрестностях Барбизона, писавший этюды вместе с Руссо. В творчестве Милле крестьянская тема заняла главное место. Художник изображал крестьян за работой – «Сборщицы колосьев» (1857 г.), «Крестьянка, пасущая корову» (1859 г.). В конце жизни художник увлекся пейзажем, его последняя работа «Весна» (1868-1873) полна жизни и любви к природе, сияющей яркими красками после дождя.

Гюстав Курбе (1819-1877) начинал как романтик, но вскоре перешел к изображению непосредственной реальности. Курбе, достаточно ограниченный, писал только то, что ему было знакомо с детства – быт жителей французской провинции. В 40-е гг. художник познакомился с поэтом Шарлем Бодлером, барбизонцами, известными критиками. В Салон 1850 г. Курбе предложил две картины: «Дробильщики камней» (1849 г.) и «Похороны в Орнане» (1849-1850). Обе картины показались публике и критике грубыми по исполнению и вульгарными по содержанию. В 1855 г. Курбе, не принятый на Всемирную выставку, на свои средства возвел павильон, назвав его «Павильоном реализма» и выставил на нем сорок произведений. Главным из них было полотно «Мастерская художника» (1855 г.), одно из лучших произведений мастера. С именем Курбе связывают появление во французском искусстве реализма с такими чертами, как социальная типизация, подчеркнуто-критическое отношение ко многим сторонам общественной жизни Франции.

Тема «маленького человека», его страданий и бед, которая уже была отражена в творчестве романтиков, была подхвачена писателями-реалистами. Эта тема захватывает всю европейскую литературу, противопоставление богатых и бедных, обличение социальных пороков общества стало предметом изображения реалистов. Этому посвящены романы Чарльза Диккенса, например «Оливер Твист», Жорж Санд («Консуэлло»), Виктора Гюго («Отверженные»), Стендаля («Красное и черное»), Оноре де Бальзака («Человеческая комедия»), Гюстава Флобера («Госпожа Бовари») и др.

Импрессионизм, неоимпрессионизм и постимпрессионизм

Импрессионизм сложился в начале 1870-х гг. и прошел короткий исторический путь как художественное течение. На выставке «Анонимного общества художников, живописцев, скульпторов, граверов и литографов», устроенной в парижском фотоателье в 1874 г., была представлена картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца.» (1872 г.). С легкой руки критика газеты «Шаривари» слово «впечатление» (франц. impression) дало название творчеству участвовавших в выставке художников. Выставка импрессионистов была первым коллективным вызовом официальному искусству, Салону, критике и консервативно настроенной публике. Клод Оскар Моне (1840-1926), Камиль Писарро (1830-1903), Пьер Огюст Ренуар (1841-1919), Альфред Сислей (1839-1899), Эдгар Дега (1834-1917) уже были известны парижской публике, их называли «бунтовщиками, а жюри постоянно отвергало их произведения.

Знакомство будущих импрессионистов состоялось в конце 60-х – начале 70-х гг. во время занятий в частных художественных мастерских и посещений кафе Гербуа в районе Батиньоль. Появилась «батиньольская группа», объединившая художников, писателей, критиков и любителей искусства. Главой их и предтечей импрессионизма считался Эдуар Мане (1832-1883), работы которого – «Любитель абсента» (1859 г.), «Завтрак на траве» (1863 г.), «Олимпия» (1863 г.) – были отвергнуты официальным жюри и выставлялись в «Салоне отверженных». В этих работах Мане ищет черты прекрасного в современности, в образах порочных женщин он видит музу и богиню. В 70-х гг. Мане работает на пленэре и использует формат фотокадра («Аржантей», «В лодке»). Вершиной творчества Эдуара Мане является работа «Бар в Фоли-Бержер» (1882 г.). Удивительный эффект двойного изображения придает картине мистический характер и притягивает взгляд зрителя. В этой работе ярко проявляется увлечение Мане творчеством Веласкеса («Менины»).

Импрессионисты считали обязательной работу на пленэре, т.к. именно здесь исчезают четкие контуры, цвет меняется. Художник может изобразить лишь мгновенно возникшее впечатление о цвете и форме предмета. Решая эту задачу, импрессионисты пришли к совершенно новому методу живописи. Они оказались от смешанных цветов, начали писать чистыми яркими красками, густо нанося их отдельными мазками. Нужный тон достигался оптическим смешением красок во время созерцания картины. Японская ксилография, появившаяся в Париже в 60-х гг., оказалась необходимых источником новых художественных приемов, которые использовали импрессионисты. Это яркий гармоничный колорит, использование воздушной перспективы, восприятие природы как бесконечной смены впечатлений. Восемь выставок импрессионистов, прошедшие за двенадцать лет исчерпывающе продемонстрировали все многообразие возможностей нового направления в искусстве.

На первой выставке в 1874 г. Клод Моне показал еще одну работу – «Бульвар Капуцинок». Огюст Ренуар среди прочих выставил картину «Ложа», напоминающую работы Эдуара Мане, и полотно «Танцовщица», в котором уже виден собственный стиль автора. На второй выставке, устроенной в 1876 г. Дюран-Рюэлем, в одном зале находились работы Моне, Ренуара и Альфреда Сислея, среди которых особенно выделялось полотно «Наводнение в Пор-Марли». В другом зале располагались работы Эдгара Дега и Камиля Писарро, отражавшие два художественных полюса импрессионизма: картина «Балетный класс» Дега и «Пейзаж с большими деревьями « Писарро.

В 1877 г. члены группы приняли решение называться импрессионистами, не выставляться в Салоне и выпустить давно задуманный журнал «Импрессионизм». На этой выставке Ренуар представил работы, свидетельствовавшие о зрелости художественного стиля – «Качели» и «Мулен де ла Галетт». Здесь же была выставлена первая серия картин Клода Моне «Вокзал Сен-Лазар» (восемь полотен). Художник поставил себе задачу – запечатлеть на полотне мгновения изменчивого освещения в одном и том же месте. Импрессионисты много работали со светом, изучали теорию света и умели расчленять солнечный свет на составные элементы, чтобы потом восстановить их единство в общем созвучие цветов радуги, наносимых ими на полотна. Дега показал картину «Абсент», а Писарро - пейзаж «Красные крыши. Деревенский уголок зимой». А в 1878 г. новое направление вошло в историю искусства, об этом свидетельствовали две статьи «Импрессионизм» и «Импрессионист» в 16-м томе «Большого универсального словаря XIX века» Ларусса.

Ренуар и Сислей не участвовали в четвертой выставке импрессионистов в 1879 г. На выставке выставлялись Моне («Улица Монторгей. Праздник 30 июля 1878 г.»), Писарро («Дорога под деревьями»), Дега («Мисс Ла-Ла в цирке Фернандо»). Ренуар в это время по совету Эдуара Мане выставляется в Салоне, где его полотно «Портрет мадам Шарпантье с детьми» имеет успех. Раскол в стане импрессионистов привел к тому, что на пятой (1880) и шестой (1881) выставках не было работ Моне, Ренуара и Сислея. Седьмая выставка в 1882 г., была последней, где импрессионисты выступили вместе (кроме Дега). Здесь были представлены такие картины, как «Поле маков» Моне, «Девушка с веером» Ренуара, «Луэн близ Море» Сислея.

Восьмую выставку организовал Эдгар Дега, Моне, Сислей и Ренуар в ней не участвовали. Хотя Дега использовал такие приемы, как кадровость, цвето и светоэффекты, он не считал себя импрессионистом. Дега интересует изображение жестов, поз, он ищет их в балете («Голубые танцовщицы»).

Событием восьмой выставки стали не картины известных уже мастеров, а полотна неоимпрессионистов Жоржа Сера и Поля Синьяка, похожие на мозаики. Неоимпрессионизм – это течение, связанное с импрессионизмом и развивающее его. Цель неоимпрессионизма – заключить живописную интуицию импрессионистов в рамки научного метода. В понятии дивизионизм (от франц. division – разделение) заключалась суть метода, основанного на законе оптического восприятия. Глаз способен синтезировать нужный цвет, соединяя световые лучи, поэтому художник может лишь наносить основные составляющие свет цвета в определенных сочетаниях на полотно. Пуантилизм (от франц. point – «точка») – это техника неоимпрессионистов. Чистые цвета наносятся отдельными маленькими мазками, похожими на точки.

Жорж Сера (1859-1891) в 1884 г. предложил Салону свое первое большое полотно – «Купание в Аньере», оно было отвергнуто жюри и выставлено в «Салоне независимых». Полотно «Воскресенье после полудня на острове Гранд-Жатт» было показано в 1886 г. на восьмой выставке импрессионистов, оно вызвало и бурный восторг, и острую критику. Написанное мелкими мазками, оно словно выткано из огромного количества оттенков. В последующие годы Сера создает такие работы, как «Натурщица», «Цирк». Поль Синьяк (1863-1935) был рьяным приверженцем Жоржа Сера и пропагандистом неоимпрессионизма, написал несколько статей и до конца жизни остался верен его принципам. Он так же, как и Сера работал в технике пуантилизма – «Гавань в Марселе» (1907 г.), «Сосна» (1909 г.).

В конце столетия четыре художника громко заявили о себе, подводя итог искусству XIX в. и прокладывая путь в будущее. Это были Поль Сезанн (1839-1906), Винсент Ван Гог (1853-1890), Поль Гоген (1848-1903) и Анри де Тулуз-Лотрек (1864-1901). Яркие индивидуальности, не объединившиеся в группу, они каждый по-своему пытались познать истинную сущность вещей. Сезанн, Ван Гог и Гоген не найдя гармонии в современном обществе, обратились к природе, ища в ней основы бытия, единство мира. Но в отличие от импрессионистов они стремились запечатлеть не мгновения, а вечность.

Творчество Поля Сезанна отражает родство всех проявлений материального мира, его единство. Сезанн видел основы бытия в геометрической форме вещей («Натюрморт с яблоками и апельсинами», 1895-1900). На полотнах Ван Гога обыденные предметы, люди, пейзаж становятся носителями сокровенных мыслей и чувств художника, передают его эмоциональное состояние – «Красные виноградники» (1888 г.), «Хлеба и кипарисы» (1889 г.), «Подсолнухи» (1889 г.). Поль Гоген, друживший с Ван Гогом, совмещал в своих работах действительность и миф, создавая новую реальность - непосредственную и чистую. На Таити, куда Гоген отправился в 1891 г. его стиль приобрел законченную форму. Прекрасные люди, связанные с природой телом и духом, становятся героями картин – «Таитянки» (1892 г.), «Женщина, держащая плод» (1893 г.), «Женщина под деревом манго» (1896 г.), «Жена короля» (1896 г.). Гоген пишет христианские сюжеты в таитянском колорите («Рождество»). Большая композиция «Откуда мы? Кто мы? Куда Мы идем?» (1897) представляет собой философский анализ истории и культуры человечества в русле таитянской первобытной естественности и искренности.

Совсем иным было творчество Тулуз-Лотрека, его героями были завсегдатаи парижских кафе, театров и кабаре, каждому из которых он нашел точную портретную характеристику. Тулуз-Лотрек также выполнил серии афиш для парижских кабаре, он ввел рекламу в сферу художественного творчества, определив основные направления ее развития в XX в. Открытия, сделанные постимпрессионистами в живописи, повлияли на развитие некоторых течений в искусстве XX в. – фовизма, кубизма, экспрессионизма и др.