2. Место символизма и концепта в иллюстрациях

Когда иллюстрация появилась в первые, она выполняла лишь декоративную функцию, порой заслоняя своей витиеватостью и обилием красок сам текст. Однако постепенно графические рисунки переросли в нечто большее и ценное. Иллюстрации стали не только источником расшифровки авторского замысла, но и сами в себе начали содержать тонкий философско-символический и сюрреалистический мир. Но не следует торопиться. Для начала необходимо разобраться в самом понимании символизма и концепта.

1. Символизм и место в изобразительном искусстве

Символ в переводе с греческого означает «знак». Символом может стать любой предмет, признак, явление, словесный или пластический образ, которые имеют какой-то дополнительный смысл, отличный от собственного содержания. Это дополнительное значение приобретает особую ценность, может отсылать в любую сферу физического мира, либо к явлениям психологической и духовной жизни. Они могут быть понятны как одному человеку, так и узкому или широкому кругу людей.

Символизм - это свойство искусства устанавливать связь видимого и конкретного с областью идеальных представлений. Т.е. чему-то вещественному конкретному дается тайное иррациональное, иносказательное понимание. Символичным может стать любой рисунок текста, если автор намеренно помещает в него предметы, знаки, формы, порядок, которые привносят в изображение более глубинный смысл, чем кажется на первый взгляд.

Уже было сказано, что иллюстрации подразделяются на виды, в зависимости от их расположения в тексте. Так, например, иллюстрации-заставки, концовки, отступления, виньетки могут быть не просто декоративным украшением, но и дополнять смысловую канву произведения.

Если вглядеться, то многие из этих рисунков представляют собой не что иное, как натюрморты. А натюрморт – это один из основных жанров живописи, имеющий очень богатую историю и традиции.

Натюрморт - с французского и итальянского языков переводится буквально как «мёртвая природа»; с голландского, немецкого и английского - «тихая или неподвижная жизнь». Этот жанр, по своей сути, был посвящен изображению вещей, окружающих человека в быту.

В XVII в. натюрморт становится самостоятельным изобразительным жанром. Именно с этого времени принято отсчитывать его историю. Начинают формироваться разные направления, которые привели к развитию символического натюрморта. Очень богатое наследие подарили голландские живописцы, которые разработали сборники символов (6. Словарь). Символические традиции, перемешанные с религиозными подхватили и другие страны.

Так, например, такой вид натюрморта, как гирлянда – часто можно встретить в иллюстрациях. Гирлянды, как правило, состояли из цветов и фруктов. Они легко читались зрителями, т.к. символика цветов была тогда известна каждому горожанину и образованному аристократу. Цветы могли опоясывать портрет. Они говорили: все меняется, остается лишь добрая память о том человеке, который изображен на портрете. Каждый цветок, фрукт или насекомое могли даже указать на характер человека, его роль, судьбу или направление. Цветы могли обвивать не только портреты, но и предметы, например чашу, бокалы с вином, кубки и т.д. Часто можно увидеть вазы с цветами. Каждый сосуд или материал, жидкость также несли в себе глубинный смысл. Символичными могут быть в иллюстрациях и формы, и цвета, узоры, даже числа (6. Рис. 14 - 16).

Очень большой отпечаток оставил XX в. с его символизмом и модерном.

Конечно, это не значит, что в каждом рисунке нужно искать дополнительный символ. Но то, что иллюстрации выстраивают свой зыбкий смысловой мир, объединенный с текстуальным, не может не восхищать. Это лишний раз доказывает, что не зря иллюстрации отнесли к отдельному виду живописи.

В своей практической работе я хочу проиллюстрировать некоторые поэтические тексты Евгения Евтушенко, но при этом постараться использовать символику.

2. Понятие концепта и его отражение в иллюстрациях

Важной составляющей любого творческого процесса является авторская идея. И этот факт не кажется чем-то необычным или непривычным, если не иметь ввиду то, что авторская идея может перерасти в нечто неповторимое, удивительное, иногда даже шокирующее. Есть в искусстве такое понятие как концепт, который является одним из видов авторской идеи. Концепт (от лат. conceptus – мысль, понятие) - смысловое значение имени, знака, т.е. содержательная сторона.

С XX в. появляется концептуальное искусство, концепт в нем – это художественный прием «от ума». Концептуальное искусство, течение в авангардистском искусстве 1960 - 90-х гг., поставившее своей целью переход от традиционных художественных произведений к созданию «художественных идей-концептов», часто не имеющих устойчивой художественной формы и воплощенных в виде графиков, диаграмм, схем, формул и т.д.

Т.е. понятие «концепт» отличается от авторской идеи тем, что он зарождается не под влиянием чувств, озарения, а является рационально осмысленной и тщательно подобранной задумкой. По сути – это логическая конструкция. Все планы и решения принимаются заранее, а само выполнение является формальностью.

Являясь своеобразным бунтом, не удивительно, что концептуальное искусство не имеет четких жанровых разграничений. В этой сфере смешиваются самые разные жанры искусства: скульптура, живопись, фото и видео искусство, музыка и т.д. Нарушается иерархичность. Причем сам исходный материал не важен.

В этом понимании можно сказать, что иллюстрации являются порождением концептуального искусства. Говорить о самостоятельности этих произведений нельзя, т.к. зачастую, иллюстрации в отрыве от текста не могут быть поняты зрителями. Если иллюстрации и представляются как самостоятельные произведения, то требуют обязательно пояснений в виде названия произведения, главы или отрывка из текста. Являясь подвидом живописи, они, прежде всего, служат инструментом понимания текста.

Есть и такие авторы, которые смело нарушают установленные правила, отступают от текста не только сюжетно, но и в исполнении. Как итог – непонимание, порицание не только зрителями, критикой, но и автором текста. Однако такой смелый шаг помогает самому художнику раскрыться и найти свой стиль.

Для примера можно упомянуть творчество Обри Винсент Бёрдслей (Бёрдсли) - английский художник-график, иллюстратор, декоратор, поэт, музыкант (7. Рис. 17 - 20). Он прожил всего лишь 25 лет, т.к. был болен туберкулезом с 7 лет, однако после себя оставил талантливые, хотя и в некоторых смыслах шокирующие работы. В 1892 г. Бердслею повезло: молодому неизвестному художнику предложили сделать иллюстрации для «Смерти короля Артура» Мелори, это была изящная стилизация под средневековую живопись. Но уже год спустя Обри пишет другу: «…Я нашел для себя совершенно новый метод рисунка, отчасти взятый из японского искусства… Мои персонажи немного сумасшедшие и отчасти неприличные. Странные обоеполые существа в костюмах, напоминающих костюм Пьеро, или в современных одеждах; совершенно новый мир, созданный мной» [9].

Художник весьма своеобразно подходил к литературе – он отбирал только то, что могло послужить основой для оригинального рисунка.

Самые известные книжные иллюстрации Бердслея – одиннадцать рисунков к декадентской трагедии Уайльда «Саломея». Они вызвали громкийый скандал – художника обвинили в безнравственности и запретили публиковать рисунки, изображающие обнаженную Саломею и ее пажей, а Бердслею пришлось нарисовать второй, менее откровенный вариант, впоследствии пропущенный цензурой. Автор «Саломеи» тоже был не в восторге от графики Бердслея: рисунки были весьма далеки от текста пьесы, на некоторых из них в карикатурном виде был представлен сам Уайльд, его близкий друг. В заключительной иллюстрации к «Саломее» проказливый сатир и хитрый арлекин хоронят героиню в пудренице. В понимании Бердслея, пудреница, привычный элемент в его рисунках, обозначает женственность и сладострастие; сатир - символ «веселого разврата»; арлекин в маске - анонимность, скрытность. Рисунки художника, как головоломки, требуют внимательного анализа и умения видеть скрытое. Скандальные иллюстрации к «Саломее» сделали свое дело – Бердслея заметили декаденты. Более того успех «Саломеи» был во многом связан с великолепными иллюстрациями Бердслея.

Есть еще одна черта, которая сроднит иллюстрации с концептуальным искусством. Часто для усиления эффекта или раскрытия своего замысла, авторы этого течения используют такой прием, как серийность. А иллюстрации по определению подразумевают под собой определенный порядок работ в зависимости от сюжета или значимости. В основе – емкая идея, читающаяся на каждом снимке, картине и т.д. Продукт концептуального искусства становится ценным источником для вдохновения, осмысления, отражения основных проблем современности, крик души автора.

Как яркий пример серийной природы иллюстраций, можно упомянуть комиксы – это есть не что иное, как рассказ в картинках. В этих журналах присутствует текст, однако, очень в малых количествах. Смысловую и содержательную роль выполняют яркие небольшие рисунки, как правило, на фантастические темы. А история рассказывается именно благодаря серийности изображений.

Есть художники и фотографы, которые в принципе отказываются от текста. У них иллюстрации, выстраиваются в определенном порядке и собираются в альбомы-книжки. У таких альбомов есть название, но отсутствует текстовое наполнение. Таким образом, зритель также погружается в мир автора, но общение происходит с помощью визуальных средств. Изображения становятся словами.