Контрольные вопросы по теме «Музыкальная культура Древнего мира»

1. Назовите четыре этапа в становлении музыки как искусства.

2. Перечислите в определенной последовательности пять очагов музыкальной культуры.

3. Родиной какого классического инструмента был Египет?

4. Что такое веды?

5. Как называется индийская музыкальная система?

6. Что такое рага и как строится её композиционный план?

7. Какие качества отличают индийскую музыку от китайской?

8. Как называются самые популярные индийские музыкальные инст­рументы?

9. Что такое пентатоника?

10. Что отличает «Пекинскую» оперу от европейской оперы?

11. Что называли «музыкой» древние греки?

12. Назовите основные древнегреческие инструменты?

13. Как назывались древнегреческие певцы-сказители?

14. Что греки называли «лирикой»?

15. Что послужило прообразом оперы для деятелей эпохи Возрождения?

Музыкальная культура европейского Средневековья

Музыкальная культура европейского средневековья (VI-ХIV вв.) развивалась в рамках христианской религии. Если античное искус­ство воплощало любовь, волю к жизни, драматизм взаимоотношений прекрасного человека с окружающим миром, то раннее Средневековье в соответствии с религиозным каноном проповедует аскетизм, воз­даяние после смерти. Античный художник «ушел в монастырь». Его уже не интересовала телесная оболочка изображаемого человека, но лишь его бессмертная душа.

Ф. Энгельс писал: «Средневековье развивалось на совершенно при­митивной основе. Оно стерло с лица земли древнюю цивилизацию, древнюю философию, политику и юриспруденцию, чтобы начать все с самого начала. Единственным, что оно заимствовало от погибшего древнего мира, было христианство».

Новая религия, возникнув на развалинах язычества, сразу же поняла важнейшее значение музыки как проводника религиозной идеи и с величайшим вниманием стала вырабатывать свой универсальный стиль богослужебного пения. Христианство постепенно становилось мировой, то есть наднациональной религией. Распространяясь вширь по Римской империи, христианство начало отбор универсальных ме­лодий, способных оказывать нужное эмоциональное воздействие на любого прихожанина, к какому бы этносу он не принадлежал.

Музыкальное оформление христианского богослужения прошло два этапа.

Первый — до второй половины IV века, когда христианство было гонимой религией, «иудейской сектой», обращение в христианство каралось смертью. В этот период христиане на тайных литургиях использовали знакомые им народные мелодии, исполняя их с но­вым религиозным текстом. Это был так называемый период заимство­вания.

Второй этап начинается с 313 года, когда византийский импера­тор Константин I Великий (285-337) издал эдикт, сделавшей христи­анство фактически государственной религией. Церковь, скрывавшая­ся ранее в катакомбах, стала возводить монументальные храмы и отправлять культ с небывалой роскошью.

Общеприходское пение в храме постепенно вытесняется пением искусных певцов профессионалов на клиросах.

Подготовкой певчих занимались монастыри. Певчие изучали все особенности церковного пения и к концу обучения знали весь цикл песнопений наизусть (нотного письма тогда еще не существовало).

Наиболее талантливые певчие становились ДОМЕСТИКАМИ — руково­дителями хоров, регентами. Они управляли певцами при помощи сис­темы особых жестов рук, пальцев, использовали мимику и движения головы. Такая система дирижирования называлась ХИРОНОМИЕЙ.

Выдающийся христианский святитель Василий Великий (ок. 330-379) писал: «Для того с христианским учением сопряжена сладость песенного сочинения, дабы через приятность слуха неприметным образом из всех словес получить полезное».

* * *

Фактически в 395 году, а формально лишь в 1064 единая христи­анская церковь разделилась на Западную с центром в Риме и Восточ­ную с центром в Византии. Западная церковь стала называться като­лической, а восточная — православной. Различия между церквами касались как догматов веры, так и структуры богослужения и ха­рактера песнопений.

Католическая церковь к концу века выработала свой стиль цер­ковного пения — григорианский хорал. ХОРАЛОМ называют строгую мелодию с церковным текстом, исполняемую одноголосно или хором. Свое название хорал получил по имени папы римского Григория I (550-604), который, будучи музыкально образованным человеком, отобрал, систематизировал и распределил эти мелодии на службы всего кален­дарного года. Этот свод хоралов стал называться АНТИФОНАРИЕМ. Название произошло от способа их исполнения во время службы: певчие делились на два полухория и исполняли хоральные мелодии поочередно, то есть антифонно, как бы переговариваясь между собой.

По преданию, папа Григорий I повелел приковать созданный им антифонарий золотой цепью к гробу святого Петра в знак непреходя­щего значения установленного им пения.

Для григорианских хоралов характерно настроение глубокой отре­шенности от всего земного, строгости и аскетизма. Исполнялись эти хоралы мужским хором унисонно в медленном темпе.

Официальным языком григорианских хоралов, как и всего катали-ческого богослужения, является латынь.

* * *

Реформатором и систематизатором православного перковного пения был богослов, философ, поэт и певец Иоанн Дамаскин. Он составил систему православных церковных напевов, получивших название ГЛАСОВ. Гласов было восемь, так как византийский календарь того вре­мени делился не на месяцы, а на большие столпы, каждый из которых в свою очередь состоял из восьми недель. В каждую из недель или «седмиц» службы в храме совершались на свой глас. После восьмого гласа снова шел первый и так далее. В современной православной церкви характер гласовых напевов существенно изменился, однако принцип осмогласия остался неизменным.

Православная церковь выработала свои специфические формы и жанры богослужения. Ими стали: РЕЧИТАЦИЯ — тональное чтение, ПСАЛМОДИЯ — чтение церковных текстов нараспев, ЮБИЛЯЦИЯ — особо торжественное, порой виртуозное распевание слова «Аллилуйя» (Богу слава!), ТРОПАРИ — главные молитвенные песнопения в честь какого-либо праздника или святого, СТИХИРЫ — более поэтичные, пространные, повествовательные изложения празднуемого события, ГИМНЫ — хвалебные песни, обращенные к божеству или святому.

Выдающимися гимнотворцами раннего христианства были Иоанн Дамас­кин и Ефрем Сирин. Многие из сочиненных ими гимнов звучат в правослвных храмах до сих пор.

Крупнейшим православным хором того времени был хор в церкви Святой Софии в Константинополе, который русские называли Царь-градом.

В православных храмах, как и в католических, поочередно пели два полухория — один на левой стороне алтаря, другой на правой.

Основным богослужебным языком был греческий, однако иногда строфы одной молитвы пелись на разных языках вследствие многона­ционального состава верующих.

На клиросах пело одновременно до двухсот певчих. Такое бого­служение превращалось в грандиозное церковно-храмовое действие, восхищавшее всех своей пышностью.

* * *

Основным достижением церковного пения следует считать зарожде­ние в нем многоголосия — церковной полифонии. Произошло это осно­вополагающее для дальнейшей музыкальной культуры событие во Франции в XI веке в монастыре при соборе Нотр-Дам де Пари. Именно оттуда полифонический способ композиции стал быстро распростра­нятся в другие страны католического мира.

Сущность первоначальной полифонии заключалась в том, что к медленному и строгому григорианскому хоралу сверху присочинялась сопровождающая мелодия. Григорианский хорал в таком двухголосии стал называться КАНТУС ФИРМУС (строгий напев), а присочиненный голос — ДИСКАНТ. Дискант мелодически расцвечивал строгий кантус фирмус и придавал ему черты восторженности и вдохновенности. Постепенно количество присочиненных голосов стало увеличиваться.

Одновременное сочетание двух или более мелодий получило назва­ние КОНТРАПУНКТА.

В присочиненных голосах на одну ноту григорианского хорала, как правило, приходилось несколько нот в свободных голосах. Такие композиции уже не могли быть результатом сиюминутной певческой импровизации. Они требовали предварительного обду­мывания и последующей записи, то есть СОЧИНЕНИЯ. Так церковная полифония породила новую фигуру в истории музыки — КОМПОЗИТОРА, создающего в своем воображении свободные многоголосные композиции. Полифония «открыла дверь» свободному композиторскому творчеству. Разумеется, свободным это творчество можно назвать лишь с очень большой долей условности. Существовало множестве различных правил и строгих ограничений, которым обязан был неуклонно следовать композитор. В противном случае его произведения объявлялись ересью и предавались анафеме.

Одними из первых и наиболее значительных композиторов были Леонин (ХII в.) и Перотин, получивший у потомков прозвище «Вели­кий». И тот и другой были монахами Собора Парижской Богоматери.

Постепенно полифония проникает и в светскую музыку. Появляются модные тогда полифонические сочинения по случаю коронации, смерти, бракосочетаний или юбилеев высокопоставленных особ.

Полифонические композиции на светский текст назывались МОТЕТАМИ. Появились мотеты юмористического или нравоучительного содержания. Тексты у сочетающихся мелодий были разные. Например, нижний, менее подвиж­ный голос повествовал о наказании грешникам, в среднем голосе жи­вописались картины природы, а в верхнем — сладость первого свида­ния.

Композиторы того времени искали и находили способы сочетания казалось бы противоположных по своим качествам мелодий. Мастерст­во композитора состояло в том, чтобы сделать эти подтекстованные мелодии хорошо воспринимаемыми как в отдельности, так и в соче­тании.

Такой прогресс в развитии музыкального искусства был бы невоз­можен, если бы в XI веке не была изобретена система современного нотописания. Родоначальником современной линейной нотации был католический монах Гвидо из Ареццо (ГВИДО АРЕТИНСКИЙ). Именно он нашел способ обозначения одним знаком («нотой») высоты и длитель­ности музыкальных звуков. Именно он додумался, что все музыкаль­ные композиции состоят не из бесконечного количества разнообраз­ных мотивов, фраз, а из ограниченного количества музыкальных зву­ков. Если сравнивать музыку с литературой, то нотное письмо можно сравнить с современной азбукой.

С именем Гвидо Аретинского связывают также и введение современ­ных слоговых названий нот (до, ре, ми, фа, соль, ля, си) и знаков повышения или понижения нот (диезов, бемолей, бекаров).

* * *

Особенно большое распространение полифония получила у компо­зиторов XIII и ХIV веков. Свое эстетическое обоснование новое поли­фоническое искусство получило в знаменитом трактате Филиппа де Витри «Арc нова». Трактат был опубликован в 1320 году во Франции. Его автор был выдающимся поэтом-гуманистом, другом Петрарки, ком­позитором, математиком и музыкальным теоретиком. В этом трактате критиковались старые схоластические правила композиции и провоз­глашалось первенство слуха над формальным правилом. «Ухо — лучший судья музыки», то есть, то, что хорошо звучит, то и правильно.

Полифоническое искусство «Арc Нова» музыковеды рассматривают как переходный период между старым средневековым искусством («Арc антика») и Возрождением.

* * *

Светскую линию музыкального искусства европейского средне­вековья представляет творчество французских поэтов-певцов ТРУБАДУРОВ и ТРУВЕРОВ. С IX века на юге Франции в Провансе появляются образцы куртуазной (изысканно вежливой) поэзии, совершенной как по форме, так и по содержанию. Их авто­рами были рыцари и представители феодальной знати. Все они были прекрасно для того времени образованы и называли себя ТРУБАДУРАМИ, что в буквальном переводе означает «изобретатели». Изобретали же трубадуры новые для своего времени приемы стихосложения, новые рифмы, метафоры. Трубадуры хотели быть виртуозами стиха. А. С. Пуш­кин в одной из своих критических статей утверждал, что «поэзия проснулась под небом полуденной Франции».

Вся поэзия трубадуров предназначалась для пения. Они считали, что «строфа без музыки — все равно, что мельница без воды». Часто трубадуры и придворные поэты не были достаточно виртуозны в игре на инструментах. По этой причине они часто нанимали МЕНЕСТРЕЛЕЙ — музыкальных подмастерьев, которые аккомпанировали их пению. Запад­ная церковь не проявляла враждебности по отношению к их деятель­ности.

Искусство трубадуров развивалось в атмосфере феодальных замков. центральное место в их творчестве занимала любовная лирика, культ прекрасной дамы. Рыцарь признавал себя вассалом дамы, которой обыч­но являлась замужняя женщина, жена его сеньора. Он воспевал ее действительные или мнимые достоинства, красоту, благородство. Его «любовь» была неотъемлема от «страдания»; рыцарь томился по недо­сягаемой для него цели.

В творчестве трубадуров было много условного, формального, од­нако, на их песнях молодое поколение тогдашней Европы училось ис­кусству любви.

Основными жанрами лирической поэзии трубадуров были:

АЛЬБЫ — рассветные песни с тремя действующими лицами: влюбленный рыцарь, прекрасная дама и верный страж. Повествование в Альбе чаще всего велось от охраняющего любовников стража. Предпо­лагалось, что любовь их так сильна, что весь окружающий мир пере­стает для них существовать и поэтому необходим был еще кто-то, кто напомнил бы им о наступлении зари, и необходимости расстаться. Ми­нута расставания — кульминация песни.

ПАСТУРЕЛИ — пасторали, описания весны, возрождающейся природы. Часто на этом фоне изображалась встреча рыцаря с пастушкой и их спор. Чаще всего пастурель представляла собой стихотворный диалог.

ПЕСНИ КРЕСТОНОСЦЕВ — повествующие о событиях похода в Святую землю и освобождение Гроба Господня в Иерусалиме.

Идеалом рыцаря был признан английский король Ричард I – Львиное сердце.

Лирика трубадуров оказала большое влияние на развитие аналогич­ного рода поэзии на севере Франции (ТРУВЕРЫ), Германии (МИННЕЗИН­ГЕРЫ), на поэзию Данте, Петрарки и на всю последующую европейскую поэзию и литературу. После трубадуров вся европейская поэзия ста­ла рифмованной и строфичной. Это означало, что в каждой поэтиче­ской строке были строго определенное количество ударных и безу­дарных слогов, окончания стихов перекликались между собой (рифмо­вались), а сами поэтические строки объединялись в строфы — поэти­ческие периоды.

Песни на такой упорядоченный строфический текст назывались куплетными.

Иногда трубадуры использовали поэтический прием, когда каждая строфа текста заканчивалась одной и той же строчкой, содержащей основной смысл стихотворения. Эта строчка называлась РЕФРЕН — поэтический припев.

Просуществовав немногим более ста лет искусство трубадуров в силу ряда политических причин быстро сошло на нет. В ХIV веке были попытки его возродить, для чего даже учредили специальные цветочные игры — состязания трубадуров, где в качестве награды присуждались цветы из золота и серебра. Состязания просущество­вали до ХV века, но возродить искусство трубадуров не смогли.

Наряду с трубадурами, труверами и миннезингерами в средневеко­вой Европе существовал еще один разряд музыкантов. Это были ВАГАНТЫ, занимавшие промежуточное положение между низшим сословием светских музыкантов — жонглерами и высшим сословием — трубадурами. Вагантами были бродячие музыканты. Ими становились разжалованные попы или недоучки-студенты, вынужденные по бедности оставить уни­верситет и пускаться в странствия для добывания хлеба насущного. Получившие начатки книжной учености, ваганты сочиняли свои песни преимущественно на латыни. В них они высмеивали лицемерие духовен­ства, пародировали церковные тексты, воспевали простые земные ра­дости. Из застольных песен вагантов сложились и студенческие песни, в том числе знаменитый студенческий гимн «Гаудеамус игитур».

В первой половине XIX века в одном из монастырей Германии был найден и опубликован под названием «Кармина Бурана» сборник песен вагантов. На эти тексты в 1937 году знаменитый немецкий компози­тор Карл Орф сочинил сценическую картину для солистов, хора и ор­кестра. Это сочинение имело мировой успех и стало одним из собы­тий в музыке XX века.

К концу средневековья странствующие музыканты постепенно при­обретают оседлость и переходят на службу при городских управлениях. Они назывались теперь городскими гудошниками и имели регулярное цеховое устройство. Это устройство не только гарантировало им общественное положение, но и устанавливало известный стаж и уровень художественной подготовки для вступления в сосло­вие музыкантов. Всякий музыкант, решивший посвятить себя профес­сиональной деятельности, должен был пройти известный курс обуче­ния, который продолжался 1 год для тех, кто желал играть в дере­внях и 2 года для тех, кто хотел сделаться городским музыкантом.

Ежегодно, в определенный день, устраивался так называемый «суд­ный день гудошников», на котором разбирались спорные дела между музыкантами. В состав суда входили сам король гудошников, четыре мастера и двенадцать присяжных.

Ежегодные курсы «повышения квалификации» трубадуры проходили во время великого поста, когда они не были заняты своим профес­сиональным трудом. Они устраивали состязания на звание мастеров пения — мейстерзингеров. Последнее такое публичное состязание состоялось в немецком городе Нюрнберге в 1770 года, году, когда в другом немецком городе Бонне родился будущий великий композитор Людвиг ван Бетховен.