Глава 3. Творческая работа на тему «натюрморт с цветами и фруктами, и с видом из окна»

1. Технология работы над натюрмортом в технике масляной живописи

Масляная живопись – живописная техника, основанная на применении растительного масла в качестве основного связующего вещества. Масляная живопись достаточно долговечна и при бережном отношении может хранится века. Художники, выполняющие картины маслом, могут добиться на холсте максимальной глубины тона, насыщенности цвета.

Художественные приемы, применяемые в живописи маслом очень богаты и разнообразны. Современная живопись маслом дает возможность написать оригинальные картины и сделать творчество художника почти бессмертным.

Материалы, применяемые в масляной живописи, по составу и свойствам очень сложны и разнообразны, поэтому для наиболее эффективного и правильного его использования художник должен иметь известный комплекс знаний. Наиболее распространенная система нанесения красок - в несколько слоев.

Прежде всего, важное значение имеет основа, на которой пишет живописец, так как она в значительной мере определяет прочность, технику и стиль живописи. В древности наибольшим распространением пользовалось дерево, его употребляли уже в Египте и Древней Греции, затем в средние века и в эпоху раннего Ренессанса (в XIV веке часто из одного куска делались и картина, и рама для нее). В Италии XV-XVI веков чаще всего применяли тополь, реже иву, ясень, орех.

Главный соперник дерева в качестве основы живописца - холст встречается уже у античных художников. В литературе первое упоминание о холсте встречается в трактате монаха Гераклия (вероятно, X век), но всегда в сочетании с деревом - или для обтягивания деревянных досок, или для заклеивания швов полосками холста. В знаменитом трактате Ченнино Ченнини (ок. 1400 г.) холст упоминается как основа для живописца.

Со второй половины XVI века появляются медные доски главным образом для небольших картин. Особенной популярностью они пользовались во Фландрии, например, Ян Брейгель, прозванный Бархатным, писал небольшие картины, подражая миниатюре в точности и эмалевом блеске красок. Преимущества дерева и меди заключаются в том, что они не допускают вредного для масляных красок проникновения воздуха с задней стороны картины. Но, с другой стороны, холст гораздо пригодней для свободного, широкого письма. В XIX веке иногда для набросков пользовались картоном.

Говоря о технике живописи, следует иметь в виду, что здесь имеет значение не только состав красок, но и свойства связующих веществ. Главная задача связующих веществ - закрепить краски в грунте и связать их друг с другом. От красочного материала живописец требует оптической насыщенности, гибкости, блеска, чистоты, химической прочности. Однако все вместе эти требования несоединимы, поэтому каждая живописная техника основана на каком-нибудь компромиссе. Можно сказать, также, что в зависимости от красочной техники в каждой картине могут быть два вида света - свет, отражаемый поверхностью, и глубокий, внутренний свет. Первый свет динамичный, но бескрасочный; второй - горит цветом, проходя через несколько красочных слоев. Можно сказать, что красочная звучность картины тем сильнее, чем больше внутренний свет превосходит внешний.

Существуют следующие этапы выполнения работы:

1. грунтовка холста;

2. нанесение рисунка;

3. подмалевок;

4. прописки;

5. лессировки.

Художники наиболее часто используют белый грунт. Преимущество белого грунта состоит в том, что он может применяться при любом методе письма, кроме того, он, почти полностью отражает свет. Чтобы наиболее эффективно использовать цвет грунта, следует приготавливать его из сильно кроющих красок, а в дальнейших прописках применять преимущественно прозрачные краски, сохраняя просвечивание тона грунта, так как корпусные и плотные краски закроют цвет грунта, и он не будет иметь значения. Прозрачные краски, положенные на тонированный грунт, придают живописи глубину, выразительность и яркость тона.

Нанесение рисунка на холст: рекомендуется зафиксировать 2-3% раствором желатина и начинать живопись через 3-5 часов. Можно вести рисунок на холсте кистью, но надо следить, чтобы слой краски был равномерно распределен на холсте.

Подмалевок представляет собой первый красочный слой в картине, и таким образом облегчает и создает подготовку для дальнейших прописок. Подмалевок пишут тонкослойно, скоросохнущими красками, разбавляя их лаками и растворителями, чтобы по сухому можно было продолжать работу через несколько суток.

В процессе работы можно прибавлять связующее вещество, ускоряющее высыхание. Хорошо сохнущие краски с применением лаков обеспечивают прочную связь красочного слоя с грунтом и служат основой. Выполнение подмалевка по частям - тонкослойно с равномерным наложением красок - дает возможность красочному слою подмалевка быстро и достаточно полно просохнуть.

В ходе прописки нанесение красок на подмалевок ведется постепенно, наращивая слой на слой, усиливая и толщину, и тон. Прописка выполняется более плотно в светах и тонкослойно в полутонах и тенях, и ведется в локальных тонах, имея в виду дальнейшие лессировки. Прописка ведется по частям, нанося краски на определенное место тонким и ровным слоем заранее приготовленного тона. Внимание художника направлено в прописке на колорит и детализацию форм.

Лессировки наносятся тонкими слоями по хорошо просохшим краскам прозрачными, полупрозрачными или иногда непрозрачными красками, но сильно разжиженными лаком. Лессировки придают живописи особую красоту. Для разжижения красок пользуются масляными лаками, приготовленными на хорошо сохнущем масле со смолами. Многослойный метод в живописи представляет собой наиболее совершенный метод письма, выработанный лучшими мастерами изобразительного искусства и испытанный в многовековой практике. Применение лессировок относится к очень отдаленным временам. Масляные краски и лаки представляют большие возможности использования этого приема в станковой живописи. Действие лессировок обусловливается тем, что нижележащая плотная краска отражает лучи, к которым присоединяются лучи прозрачной краски. Если по красному кадмию пролессировать краплаком, то получается впечатление интенсивного чистого и глубокого тона.

Следует подчеркнуть, что старые мастера не знали ряда красок, которыми мы теперь широко пользуемся, например, кобальта, кадмия и других. Кроме того, старые мастера знали только свинцовые белила, тогда как мы теперь чаще пользуемся цинковыми (их преимущества: они прочнее и не желтеют). Французские романтики начала XIX века, стремившиеся к густым, мрачным эффектам, увлекались так называемым битумом (или асфальтом), с помощью которого достигали глубоких бархатных теней, но ценой больших жертв, так как асфальт медленно сохнет, картина темнеет и трескается.

Расстояние, на каком должна располагаться натура - до 1,5 метра. С расстояния 4 метра гроздь винограда, например, представляется единым пятном, и нужно подойти ближе, чтобы разглядеть отдельные детали формы, светотень и цвета. Максимальное расстояние: 2 метра. Как правило, рекомендуется смотреть на натуру под углом 45 градусов.

Существуют два разных подхода к выполнению рисунка на холсте. Одних художников называют «колористами»: в их живописи мало теней, они используют прямое или рассеянное освещение, высвечивающее предмет как сочетание световых пятен. Такой стиль был характерен для Ван Тога, Матисса, Бернара и других. Они сразу начинали работать красками. Другие уделяют больше внимания светотени. Среди них можно назвать Шардена, Коро, Мане, Нонелля, Дали и других. Они всегда начинали картину с рисунка. Но не нужно всех художников делить на категории. Пикассо, например, начинал то с рисунка, то прямо с живописи. Сезанн говорил: «Писать или рисовать? Когда вы изображаете цвет во всем его богатстве, он дает вам и множество четких форм».

Закон контраста говорит нам, что цвет выглядит бледнее или темнее в зависимости от фона. Поэтому было бы ошибкой выписывать мелкие предметы или детали на белом холсте, потому что они станут светлее или темнее, когда появится фон. Поэтому первым делом заполняются большие пустые пространства. В натюрморте это обычно фон.

Что касается, направление мазков, необходимо запомнить два правила:

1. Направление мазков должно отвечать «форме» изображаемого объекта.

2. В неясных случаях лучше писать диагональными мазками.

Первое правило вполне понятно: цилиндр надо изображать мазками, подчеркивающими его форму, траву — вертикальными мазками, арбуз — круговыми. Если же форма неясна или отсутствует, следует наносить краску по диагонали.

Способность к обобщению в рисунке и живописи — это умение увидеть и изобразить самое существенное, отбрасывая детали и случайные черты. Такое умение дается нелегко и требует досконального знания техники живописи. Уметь писать обобщенно означает писать свободно, непринужденно, изящно, с пониманием сущности изображаемого и изобразительных средств. Классический пример - творчество Веласкеса. Посмотрите, как написаны глаза персонажей знаменитой картины Менины (Музей Прадо, Мадрид): количество мазков можно сосчитать по пальцам.

От заглаживания мазков или раскраски жидко разведенной краской надо сразу отказаться. С первых шагов в живописи старайтесь находить такое направление мазков, которое помогало бы передать строение формы предметов. Все формы объемны, и поверхность их состоит из различно повернутых в пространстве участков. Часто мазки в этюде нужно направлять согласно поворотам участка формы, как бы граня и выстилая ее. Свойство масляных красок — давать то густые, плотные, то прозрачные и топкие мазки. Оно широко используется для подчеркивания выпуклостей более плотной пропиской, для передачи прозрачности и воздушности теней тонкослойным письмом. Надо пробовать все эти приемы, снимая где нужно излишки краски мастихином или, наоборот, нанося корпусные, густые мазки.

каждый мазок должен быть целесообразным, отвечать изобразительной задаче этюда. Неправильно было бы думать, что в масляной живописи нет никакой системы. Наоборот, в поисках разнообразных приемов живописного выражения впечатлений, замыслов надо придерживаться той или иной системы письма, определенного порядка «раскрытия» холста. Масляными красками пишут в основном двумя способами: с подмалевком или без подмалевка. Первый способ требует многократного возвращения к натуре и сложной подготовки «ложа» для живописи (подмалевка), поэтому он применяется в основном для работы в мастерской, реже — в длительных многосеансных этюдах на воздухе.

Шире применяется второй способ, которым можно выполнять и многосеансные этюды, и кратковременные «нашлепки». В процессе работы над этюдом без подмалевка можно делать и лессировки, т. е. наложения тонких слоев краски на уже прописанные участки для получения новых оттенков (лессировки «по сырому»). Но это требует большого умения и опыта.

Живопись по сухому означает работу масляными красками по сухой красочной поверхности – будь то фон или наложение ранее красочного слоя. Нанеся слой краски, необходимо дождаться пока она высохнет. Кроме того, даже с помощью сиккативов почти невозможно закончить работу в один сеанс.

Главное достоинство живописи по сухому в том, что краски никогда не загрязнят друг друга и не дадут при смешении нежелательных эффектов: высохший нижний слой не впитывает свежую краску верхнего. Более того, полутона можно создать на палитре, а не на холсте.

Живопись по сухому означает, что работа протекает в несколько сеансов. Если дать масляной краске высохнуть, художник может писать, не загрязняя красок.

Работая по сухому, можно тратить на картину ровно столько времени, сколько потребуется, тщательно обдумывать сюжет и определить лучший путь конструирования композиции. Можно ввести более сложные цвета, добавить детали или завершить работу пастозными мазками – словом, все, что вам захочется.

Поэтапная живопись дает художнику спокойствие и подталкивает его обращать внимание на детали.

Таким образом, техника масляной живописи является самой широко использованной в различные времена, имеет большое разнообразие способов применения, позволяя достигать желаемых результатов в работе.

3.2 содержание творческой работы на тему: «Натюрморт с вечерним видом из окна»

Для творческой работы нами был выбран натюрморт. В работе мы решили показать специфику жанра и его разнообразные стороны. Так, наиболее доступными способами мы решили передать разнообразие форм, цветов, ритмов.

«Натюрморт с вечерним видом из окна», демонстрирует нам кухонный стол, а за ним окно. На фоне окна стоит ваза с разнообразными цветами. Мы использовали цветы разных цветов – такие как дубки. Рядом с вазой находится белый чайничек. Мы использовали фрукты, яблоки и виноград в данной работе для создания ритмического строя. На заднем плане – ночной вид из окна, со светящимися окнами многоэтажек. В работе присутствует плановость. Если фрукты расположены на переднем плане и некоторые из них перекрывают другие объекты натюрморта, то ваза с цветами, и вид из окна находятся за фруктами, создавая ощущение глубины и пространства.

В работе мы использовали преимущественно холодные цвета и оттенки зеленого, желтого, красного, белого сиреневого, синего, голубого, в сочетании с теплыми цветами они дали нам привольное колористическое решение. С помощью данных цветов мы постарались передать настроение покоя, уюта и приятной усталости, после долгого рабочего дня. Цвета гармонично сочетаются в работе.

Композиционными центрами в работе являются ваза с букетом цветов, вид ночного города за окном, а также тарелка с расположенным в ней виноградом.

Работа оформлена багетом. Рамка используется для того, чтобы украсить картину, защитить ее от повреждений, упростить размещение на стене, а также для того, чтобы визуально увеличить, и предать работе праздничный дорогой вид.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ.

Вопрос развития композиционных умений у учащихся среднего школьного возраста на занятиях изобразительного искусства был рассмотрен как достаточно сложный, многоступенчатый процесс, который реализовывался в процессе создания работ в жанре натюрморт.

В ходе нашего исследования мы выявили, определили и обосновали особенности методологические особенности развития композиционных умений у учащимися среднего школьного возраста на занятиях изобразительного искусства. Подтвердили значимость композиционных навыков в работе при выполнении натюрморта.

Также мы рассмотрели теоретические основы композиционных решений, а также развитие композиционных приемов, используемых художниками в контексте истории изобразительного искусства, раскрыли особенности работы по разработке и созданию натюрморта, выделили принципы развития композиционных навыков у учащихся среднего школьного возраста, и далее их вклад в воспитательный и образовательный процесс.

Было выяснено, что композиционные умения – это сознательное владение приемами художественной деятельности, основанной на изобразительно-выразительных средствах. В процессе развития композиционных умений происходит совершенствование навыков, которые зависят от сложности, индивидуальных особенностей психического состояния личности, от методики проведения упражнений, обучения в ходе практических работ, обстановки, знания обязанностей.

В ходе работы были достигнуты поставленные в начале исследования задачи:

1. была проанализирована психолого-педагогическая литература по теме дипломной работы, где основы композиции и развитие композиционных умений в полной мере раскрыты в трудах многих теоретиков. Благодаря их трудам возможно развитие композиционных умений на занятиях по изобразительному искусству;

2. в нашем исследовании мы полностью обосновали наш выбор методических приемов, направленных на формирование композиционных умений, учащихся среднего школьного возраста на занятиях изобразительного искусства;

3. за время проведения нашего исследования нами была разработана система диагностирования, а также содержание опытно – экспериментальной работы с учащимися среднего школьного возраста;

4. был проведен педагогический эксперимент с учащимися среднего школьного возраста по теме исследования;

5. Была выполнена работа на тему «Натюрморт с вечерним видом из окна».

Таким образом, исследовательские и методические материалы по данной проблеме могут представлять интерес не только для учителей изобразительного искусства, но и для преподавателей детских художественных школ, где проблема развития композиционных умений также актуальна. Проект выполнен не только как учебный вариант, но также возможна его дальнейшая реализация в плане композиционного решения натюрморта.

ЛИТЕРАТУРА

1. Алёхин А.Д. Изобразительное искусство: художник, педагог, школа. Книга для учителя. - М.: Просвещение, 1984

2. Бабанский Ю.К. Оптимизация учебно-воспитательного процесса: методические основы. – М.: Просвещение, – 1982.- 94с.

3. Барышников А.П. «Перспектива - М.: Искусство, 1955. – 121с.

4. Беда, Г.В. Основы изобразительной грамоты: Рисунок, живопись, композиция. – М.: Просвещение, 1981. – 98с.

5. Бесчастнов Н. П. Живопись. Учебное пособие для вузов. – М.: Гуманит, 2001. – 224 с.

6. Большая Российская энциклопедия Текст.: в 30 т. / отв. ред. С.Л. Кравец. М.: Большая Рос. энцикл., 2008

7. Виппер Б. Р. Проблема развития натюрморта. – Спб.: Азбука-классика, 2005

8. Власов В.Г. Новый энциклопедический словарь изобразительного искусства: В 10 т. — Спб.: Азбука-классика, 2004-2009

9. Волков Н.Н. Композиция в живописи. – М.: Искусство, 1977

10. Выготский Л.С. Воображение и творчество в детском возрасте. – М.: Просвещение, 1990. - 204с.

11. Выготский Л.С. Педагогическая психология. – М., 1996. – 536с

12. Выготский, Л.С. Воображение и творчество в детском возрасте. – С. – П.: Союз, 1997. – 96 с.

13. Геташвили Н. В. Художественные направления и стили. Малые голландцы. М. 2004

14. Гомбрих Эрнст. История искусства - М.: АСТ, 1995. – 688с.

15. Гончаров А. О композиции Художник. 1981, № 6. С.34-37.

16. Гордон Л. Рисунок. Техника рисования - М.: ЭКСМО – Пресс, 2000. – 144с.

17. Дмитриева Н.А. Краткая история искусств / Дмитриева Н.А. - М.: Искусство, 1989. -318.

18. Загвязинский В.И. Методология и методика дидактического исследования. - М.: Педагогика, 1982. – 160с.

19. Загвязинский В.И. Педагогическое творчество учителя. - М.: Педагогика, 2001. – 160

20. Звездина Ю. Н. Эмблематика в мире старинного натюрморта. К проблеме прочтения символа. – М., 1997

21. Зернова Е.С. Будущему художнику об искусстве рисунка: заметки преподавателя. – М.: Просвещение, 1976. – 258с.

22. Искусство: Живопись. Скульптура. Архитектура. Графика: Кн. для учителя. В 3 ч. /Сост. М.В. Алпатов и др. – М.: Просвещение, 1987. –143 с.

23. История мировой живописи. Классический натюрморт: Вера Калмыкова, Виктор Темкин — Москва, Белый город, 2009 г.- 128

24. Киплик Д.И. Техника рисунка - М.: Искусство, 1950. – 503с

25. Кирцер Ю.М. рисунок и живопись. Практическое пособие. - М.: Высшая школа, 1992. - 272.

26. Козлов В.И. Теория и практика подготовки в вузе учителей начальных классов по дополнительной специальности «Изобразительное искусство» 2001. - 559 с

27. Комарова, Т.С. Как научить ребёнка рисовать. – М.: Столетие, 1998. – 105с.

28. Костин, В.И., Юматов, В.А. Язык изобразительного искусства. – М.: Знание, 1978. – 105с.

29. Кузин, В.С. Изобразительное искусство: Рисунок. Живопись. Основы живописи – М.: Дрофа, 2001. – 288 с.

30. Кузин, В.С. Основы обучения изобразительному искусству в школе. – М.: Просвещение, 1977. – 164 с.

31. Кузин, В.С. Психология живописи: Учебное пособие для вузов. – М.: ООО «Издательский дом» ОНИКС 21 век, 2005. – 304 с.

32. Кузин, В.С., Кубышкина, Э.И. Изобразительное искусство в школе. Учебник для общеобразовательных учебных заведений. – М.: Дрофа, 2000. – 126 с.

33. Левандовский С. О сюжете и композиции Художник. 1981, № 4. С.58-61.

34. Лейтес Н.С. Психология одарённости детей и подростков. - М.: Академия, 2006.-336.

35. Львовский Ф.М. Замкнутая и свободная композиция. – М.: Смена, №11, - 1996.- 12с.

36. Неменский Б.М. Познание искусством. – М.: Изд-во УРАО, 2000. - 305.

37. Неменский Б.М. программа общеобразовательных учреждений. Изобразительное искусство и художественный труд 1-9 классы. – М.: «Просвещение», 2007.

38. Немов, Р.С. Психология. Учебник для студентов. – М.: Владос, 2001. – 330 с.

39. Новый энциклопедический словарь изобразительного искусства. Москва 2006. 944 ст.

40. Соколова М.В. Мировая культура и искусство: Учеб. Пособие для студ. высш. учеб. заведений. – М.: Издательский центр «Академия», 2004. – 368с.

41. Сокольникова Н.М. Изобразительное искусство и методика его преподавания в начальной школе. - М.: Академия, 1999.

42. Сокольникова Н.М. Изобразительное искусство: Учебник для уч. 5-8 кл.: В 4 ч. Ч. 3. Основы композиции. - Обнинск: Титул, 1996. - 80с.

43. Сокольникова, Н.М. Изобразительное искусство и методика его преподавания в школе. – М.: АКАДЕМИЯ, 1999. – 367 с.

44. Сокольникова, Н.М. Изобразительное искусство. Краткий словарь художественных терминов. – Обнинск: Титул, 1996. – 80 с.

45. Сокольникова, Н.М. Основы живописи. – Обнинск: Титул, 1999. – 80 с.

46. Фаворский В.А. О композиции. Искусство. 1933.

47. Хосе М. Паррамон. Как писать натюрморт – М.: Арт – Родник, 2000, 112с.

48. Шорохов Е.В. Композиция, Учебник для студентов художественно- графических факультетов педагогических институтов. – 2-е изд. – М.: Просвещение, 1986. – 153с.

49. Шорохов Е.В. Основы композиции - М.: Искусство, 1979. – 153с.

50. Шорохов Е.В. Основы композиции. – М.: «Просвещение», 1979.

51. Энциклопедия для детей «Искусство», том II, М.: «Дрофа», 2003г.

52. Юон К.Ф. Об искусстве. – М.: Просвещение, 1959. – 198с.

53. Якобсон, П.М. Психология художественного восприятия. – М.: Знание, 1986. – 62 с.

ПРИЛОЖЕНИЕ

ПРИЛОЖЕНИЕ 1

КОНСПЕКТЫ ОПЫТНО-ЭКСПЕРИМЕНТАЛЬНОЙ РАБОТЫ С УЧАЩИМИСЯ СРЕДНЕГО ШКОЛЬНОГО ВОЗРАСТА НА ЗАНЯТИЯХ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА

КОНСПЕКТ ЗАНЯТИЯ КОНСТАТИРУЮЩЕГО ЭТАПА ЭКСПЕРИМЕНТА

Конспект проведения констатирующего эксперимента.

Тема занятия: «Натюрморт на сближенные цветовые отношения. Гуашь».

Цель: диагностировать уровень развития композиционных умений учащихся среднего школьного возраста средствами цвета на занятиях изобразительного искусства.

Задачи:

1. обучить выполнению натюрморта на сближенных цветовых отношениях;

2. обучить учащихся композиционной грамотности и основным законам композиции;

3. обучить анализировать цветовые отношения в натюрморте: влияние одного цвета на другой; изменение цвета предмета в зависимости от окружающей среды и характера освещенности;

4. Развивать творческий потенциал;

5. Развивать способности к цветопередаче;

6. Развивать у учащихся умения реалистичного изображения предметов;

7. Воспитывать интерес к живописи;

8. Воспитывать в обучающихся высокие эстетические чувства;

9. Воспитывать активную гражданскую позицию.

Оборудование: драпировки и предметы контрастных цветов, пособие «этапы выполнения натюрморта»; цветовой круг.

Материалы к уроку: для детей бумага формата А-4, гуашь, кисти, палитра, тряпочка.

Этапы занятия:

1. Ориентационно-мотивационный;

2. Информационно-поисковый;

3. Систематизация знаний, контроль и оценка;

4. Итог работы. Рефлексия. Домашнее задание.