4.2.2 Художественное образование

Любой профессии, в том числе и художественной, необходимо учиться. То, что значительная часть работников искусств не имеет формального профессионального образования, вовсе не отрицает это. Излюбленный сюжет о парне или девушке, которые впервые выходят на сцену и поражают слушателей своим талантом, имеет мало общего с действительностью. Хотя рутинный элемент занимает в искусстве достаточно скромное место, он обязателен и обусловливает особенности систем обучения в соответствующих профессиях. Причем эти особенности достаточно широко варьируются как во времени, так и от профессии к профессии.

В те эпохи, когда занятия искусством считались разновидностью ремесла, в самом содержании художественной работы рутинные аспекты занимали большое место. Художники, например, сами изготовляли краски, и для учеников и подмастерьев растирание красок, подготовка холстов и подрамников занимали, по крайней мере на начальных стадиях обучения, основную часть времени. Надо подчеркнуть, что это вовсе не было чистой эксплуатацией труда учеников: от этих подготовительных этапов в большой мере зависел успех работы художника, и связанные с этим рецепты и навыки составляли ревниво оберегаемую профессиональную тайну, которая передавалась из поколения в поколение. Лишь после освоения этих подготовительных операций мастер допускал ученика к картине. Но и здесь поначалу ему доверялись менее ответственные фрагменты произведения: детали одежды, интерьера, закраска уже намеченных мастером поверхностей. И уже последним, завершающим этапом учебы (до которого доходили далеко не все ученики) было копирование работ мастера, а то и самостоятельная работа под его руководством. Аналогично и в скульптуре на долю ученика приходилось приготовление растворов, сушка готовых изделий и т.п. По существу, это и не было учебой в современном понимании: не было регулярных занятий, систематического изложения знаний. Ученик был подсобным работником, и ему лишь предоставлялась возможность учиться, наблюдая за работой мастера, да иногда получать от него указания. Естественно, при такой системе обучения не было и речи о каком-либо проявлении творческой индивидуальности. Вокруг каждого крупного мастера группировалась «школа», и музеи и частные коллекции заполнены произведениями, которые даже самые дотошные искусствоведы не всегда в состоянии правильно атрибутировать: то ли это работа мастера, то ли одного из его учеников и последователей. Только наиболее талантливым удавалось сказать новое слово и стать основателем очередной «школы».

Эпоха академизма основательно сместила акценты в обучении художников. Ремесленные навыки в большой мере потеряли цену, ибо стали общедоступными. Академии стали не только законодателями вкуса, но и коллективными воспитателями, центрами художественного образования. Будущие художники перестали быть подмастерьями, которые зачастую и мечтать не могли стать самостоятельными художниками. Напротив, каждый ученик академической школы рассматривался как будущий творец, которому предстоит создавать шедевры в соответствии со строгими предписаниями теории. Эта теория, предписывавшая художнику всё - от выбора сюжетов до композиции и красочной гаммы, ориентировала на рисунок как основу живописи и на античность и Высокое Возрождение как на недосягаемый и непререкаемый образец. Соответственно в ходе обучения основной упор делался на рисунок и копирование, а высшей наградой считалась (по крайней мере, во Франции и России) возможность провести несколько лет в Италии, изучая и копируя работы мастеров Возрождения и сохранившиеся произведения античных авторов. Во Франции наряду с занятиями в классах академической школы будущие художники, как правило, получали дополнительные знания и опыт, работая в мастерской одного из академиков. Таким образом, сохранялась - и не могла не сохраниться - традиционная почти для всех видов искусства практика обучения в ходе работы под руководством мастера. Это, очевидно, неизбежно в тех видах деятельности, где невозможна нивелированная подготовка по единому плану и стандарту. Ведь и в системе подготовки научных работников по сей день практикуется и приобретает все большую значимость работа студента в исследовательской лаборатории под руководством видного ученого.

В России такой принцип обучения был введен только в 1836 году и после этого неоднократно отменялся. Российская Академия художеств изначально рассматривалась не только как образовательное, но и как воспитательное учреждение, где обучение начиналось с 6 лет. В отличие от Королевской Академии, в России прикладное искусство входило в программы обучения и рассматривалось как возможный путь для менее успевающих учеников.

Обучение в академической школе не было, даже в годы господства академизма, ни гарантией, ни обязательным условием профессионального успеха. Так, по оценкам, сделанным в книге Уайтов на основании «Генерального словаря художников французской школы», около 2/3 выпускников парижской Школы изящных искусств не стали профессиональными художниками, в то время как процент выпускников этой Школы составлял в разные десятилетия от 12 до 38% от общего числа признанных художников.¹⁷⁸ Поскольку в те годы рассчитывать на успех, минуя мастерскую одного из признанных мэтров, было невозможно, приходится предполагать, что многие студенты приходили в эти мастерские, получив начальное художественное образование где-то вне Школы. Существенную роль в подготовке кандидатов для академического обучения играли провинциальные школы и училища. В России первая такая школа была основана в 1802 г, а к началу ХХ века их было 8. С 1872 года в России под эгидой Академии художеств начали функционировать бесплатные воскресные классы, способствовавшие демократизации художественного образования.

В тех видах искусства, где ремесленный элемент не играл большой роли - музыка, театр - изначально основной схемой профессиональной подготовки были индивидуальные занятия с педагогом. Практически этот принцип сохранился и после появления специализированных учебных заведений - академий, консерваторий, училищ. В них и по сей день общими для всех учащихся являются только теоретические дисциплины, а собственно профессиональная подготовка состоит в выполнении определенных упражнений под присмотром мастера.

Со временем системы обучения приобрели большую гибкость. Наряду с официальными академическими школами (многие из которых функционируют и сегодня) появились свободные студии и мастерские, где студенту предоставлялась возможность работать самостоятельно, изредка получая направляющие советы руководителя. Так, во Франции второй половины XIX века большой популярностью среди начинающих художников пользовались «академии» Жюлиана и Сюиса. В последней, в частности, занимались почти все будущие импрессионисты. В сегодняшнем Париже хорошо известна студия Гран Шаумьер, где преподавали и преподают многие крупные художники и которая предоставляет профессионалам и любителям возможность поработать с натуры.

В театральном искусстве, как и в литературе, до сравнительно недавнего времени никакой системы регулярного обучения не существовало: актеры обучались в процессе работы, постепенно переходя из статистов на самостоятельные роли. Конечно, им приходилось обучаться искусству гримироваться и одеваться - до тех пор, пока не появились профессиональные гримеры, костюмеры, а позже - художники по костюмам. Особое значение имела хорошо поставленная дикция: голос актера должен был достигать самых отдаленных уголков зрительного зала. Для этого использовались специальные упражнения - но только в рамках индивидуальной учебы (можно сослаться на прекрасный рассказ Ираклия Андронникова «Горло Шаляпина»). Расширение зрительской аудитории потребовало ускорить подготовку артистов, и теперь во всем мире существует развернутая сеть театральных школ и студий. Формальное обучение для писателей в прошлом не существовало вовсе, а сегодня имеет ограниченный объём. Очень ограничена и подготовка специалистов в таком сравнительно молодом искусстве, как фотография.

В эстрадном искусстве зачастую достигают вершин люди, вообще не имеющие формального образования. Микрофон позволил отказаться от длительного обучения, связанного с постановкой голоса и другими тонкостями вокала. Упростившаяся до предела музыка в сочетании с электронными инструментами и усилителями позволяет покорять огромные залы без освоения сложной техники игры на традиционных инструментах.

Современная обстановка в художественном образовании представляет весьма сложную систему с множеством разнородных составляющих, которые открывают путь в искусство для огромной массы желающих, привлекаемых описанными выше преимуществами и стимулами. Традиционные виды искусств - музыка, живопись, скульптура, балет, где высокие требования к технической квалификации действуют как селективный барьер на входе в профессиональную деятельность, требуют возможно раннего развития способностей и навыков. В Советском Союзе для подготовки специалистов в этих искусствах была создана стройная система учебных заведений, которая открывала доступ к обучению практически для всех, а затем, по мере перехода от ступени к ступени, позволяла отбирать наиболее способных. Низший уровень этой лестницы образовывали детские музыкальные и художественные школы (иногда - школы искусств), официальной задачей которых было общее художественное развитие детей, а не подготовка профессионалов. Впрочем, качество работы педагогов в этих школах оценивалось тем, сколько учеников поступили в учебные заведения среднего уровня - училища. Вершиной этой пирамиды были консерватории и художественные вузы. Те, кто не мог поступить в профессиональный вуз, но не хотел расставаться с искусством, имели возможность продолжить обучение в педагогических вузах или училищах, либо специализироваться в прикладном искусстве - полиграфии, дизайне, текстильной промышленности, художественной росписи. Несколько особняком стояли балетные училища, которые готовили учащихся непосредственно для театра. К этой структуре примыкали многочисленные художественные, танцевальные, литературные и другие кружки и студии при домах пионеров, дворцах и домах культуры. Эта система позволяла одновременно поддерживать неплохой общекультурный уровень населения и создавала условия для развития искусства, по крайней мере, в музыкальной сфере. В художественном образовании чрезмерная идеологизированность и консерватизм тормозили движение к новым формам искусства, но многим художникам удавалось вырваться из идеологических пут, правда, иногда ценой исключения из вуза. Основы этой системы образования сохранились и в процессе перехода к рыночным отношениям, но она подвергается постоянным атакам сторонников «полной самоокупаемости», которые грозят уничтожить самую сильную сторону системы - массовый охват. В советское время были созданы также специализированные вузы для подготовки работников театра, кино и даже литературы. Впрочем, они не играли такой решающей роли, как в живописи и музыке.

В современном мире художественное образование признается важной частью общественного прогресса и в значительной мере находится под государственным патронажем. В 1980 г. ЮНЕСКО объявила 1988 - 1997 гг. Всемирным десятилетием культурного развития и опубликовала рекомендации по статусу работника искусств. Обучение и подготовка работника искусства рассматривались как неотъемлемая часть статуса художника. В 1991 году Европейский парламент призвал страны-участницы обеспечить всем желающим возможность получения художественного образования, считая, что это не только позволяет молодым талантам получить профессиональные знания и навыки, но и повышает культурный уровень общества в целом. Так, согласно данным справочника¹⁷⁹, в 1997 году в американских университетах и колледжах готовили бакалавров по специальностям, связанным с искусством:

изобразительное искусство - в 52 учебных заведениях; архитектура в 12; музыка в 66; драматическое искусство в 51; танцы в 14; литература и письменное творчество в 11. Любопытно, что кинематография вообще не попала в этот перечень. Малое количество вузов, где существует специальность «танцы» вполне объясняется тем, что этому в основном обучают в специальных студиях и школах. Вполне понятно также и ограниченное распространение обучения литературе. Во избежание недоразумений необходимо указать, что педагогические специальности представлены в этом справочнике отдельно.

В Европе 70-е - 80-е годы были периодом быстрого расширения систем художественного образования. Развитие шло одновременно и в направлении увеличения объема и уровня образования, и путем расширения круга профессий, охватываемых обучением. В Англии в 1992 году только в субсидируемых государством вузах проходили обучение свыше 53000 студентов очного обучения (и около 5000 заочников) в музыке, драме, живописи и дизайне. Здесь выпускают столько же новых художников и дизайнеров, сколько инженеров и медсестер. В 1994 количество учащихся выросло соответственно до 67000 и 6000, то есть прирост составил 26%. В Австрии с 1971 по 1990 год число студентов художественных вузов выросло в 3,5 раза. Во Франции основной тенденцией стало углубление специализации подготовки и введение национальных образовательных стандартов в области пластических искусств. В Германии было открыто много новых музыкальных и художественных школ. Новые художественные вузы открылись в Швейцарии. В этот период в ряде стран впервые появилась возможность получения высшего образования и обучения в аспирантуре по художественным специальностям.¹⁸⁰ Годовая стоимость обучения в художественном вузе в Англии середины 90-х годов составляла в среднем около 4000 фунтов стерлингов, что близко к средней цифре по всей системе образования. Однако в отдельных, наиболее престижных, учебных заведениях она достигала 8 - 10 тысяч. Обучение в большинстве учебных заведений полностью или частично оплачивается государством.

Многие исследователи отмечают, что по мере развития образовательной системы обучение приобретает все более формализованный характер, в учебных планах неуклонно увеличивается доля общеобразовательных дисциплин в ущерб профессиональным знаниям. Например, большинство актеров, даже будучи удовлетворены техническими аспектами своего образования, отмечают недостаточную практическую подготовку: только непосредственно в ходе работы приобретается дополнительная информация о способностях и шансах на успешную профессионализацию.¹⁸¹ В то же время улучшение общеобразовательного уровня работников искусства способствует возможности вовлечения их в другие виды деятельности, связанные или даже не связанные с искусством.

Наряду с системой учебных заведений, выпускники которых получают диплом о высшем образовании, существует широкая сеть более узко специализированных школ, студий, любительских кружков, которые, в конечном счете, могут удовлетворить потребность представителей самых широких кругов в занятиях искусством. Так, по свидетельству американского художника Сергея Голлербаха, в большинстве американских городов и даже городков имеются кружки любителей живописи, которые периодически приглашают известных художников и педагогов для проведения краткосрочных циклов занятий. Это позволяет кружковцам оценить уровень своего творчества и получить необходимые советы и указания.

Таким образом, налицо достаточно широкие возможности получения художественного образования различного уровня. Однако специфичность художественных профессий, как, впрочем, и некоторых других, связанных с нерутинной деятельностью, заключается в том, что получение образования еще не является гарантией успешной работы по избранной специальности. Речь здесь не только о безработице, но и о том, что, как отмечает П.-М.Менгер, успех в нерутинных видах деятельности едва ли зависит от умений, которые было бы легко объективировать, передать и сертифицировать в системе обучения. Действительно, влияние образования на заработки у работников искусства обычно меньше, чем у всех работающих или у руководителей, работников интеллектуальных и технических специальностей¹⁸².

Тем не менее, доступность художественного образования, более интересные и творческие виды занятий по сравнению с другими учебными заведениями, получение диплома утвержденного образца, дающего права на занятие должностей, если потребуется, и вне сферы искусства, являются дополнительными факторами, привлекающими молодежь в эти учебные заведения. Вместе с тем это приводит к росту численности претендентов на ограниченное число вакансий в искусстве, повышает уровень конкуренции и способствует снижению заработков за художественную работу.